Compartimos con ustedes un vistazo a lo que fue el Bazar Cultural organizado por Raza Nocturna Prod en Hermosillo, Son. Arte, música, y comunidad.
HETERODOXIA LAB abre la serie se sesiones en vivo con FRÍA BAZOFIA HUMANA capturando la esencia de caos sonoro y estridencia. FRÍA BAZOFIA HUMANA es originario de Mexicali, BC y se encuentra dentro del circuito de artistas emergentes de la musica experimental de México. Con su concepto visual logra transgredir al espectador evocando la nota roja y muerte.
FRÍA BAZOFIA HUMANA
Transcurría el evento de premiación de Tribus Urbanas 2020 (premios al rock sonorense), la banda OTRA VEZ tomaba el escenario, uniéndoseles sus compañeros musicales de EL GRITO, todos padrinos contemporáneos del hardcore sonorense, interpretando juntos “Ríos de sangre” con el intro de “Más que un juego”. En un momento de mucha euforia, el Micky (QEPD) le cedió el bajo al Yoyo, bajista de EL GRITO. Esta sería la última aparición de OTRA VEZ con todos sus integrantes. Meses después su bajista, Micky, fallecería.
Al morir el Micky todos los integrantes se sintieron desolados. Con el tiempo la banda logró levantarse para continuar, en parte gracias a las palabras de aliento de Jimmy (vocalista del EL GRITO) quien los animaba a continuar, y también Yoyo, quien hizo que la pérdida fuera más llevadera y se convirtió en el perfecto sucesor, un bajista como de la familia.
Ver al Micky pasarle el bajo al Yoyo en aquel evento me llevó a pensar en una alegoría, en la imagen de aquella pintura creada por Miguel Ángel en la Capilla Sixtina, donde el índice de una figura humana está estirado listo para lanzar una chispa de vida al contacto con la mano del otro. Fue poesía. Ahora sé que ese episodio ayudó a salir adelante a la agrupación después de un tiempo de no saber qué hacer, incluso consideraron declarar que todo había terminado y entonces nació una nueva grabación con el Yoyo como nuevo integrante en el bajo.
El disco Resilientes consta de ocho canciones y fue grabado en el estudio de Jorge Figueroa (Digipro) entre noviembre de 2023 y septiembre de 2024, disco al cual tuve acceso a través de la versión final del máster. Sí, lo admito, fue un privilegio y les advierto que este es un top de mis canciones favoritas:
“Expiadores de mi ira”
Uno de los riffs que se me quedó en la cabeza cuando escuché este disco es el del inicio de la rola “Expiadores de mi ira”, que el buen Micky alcanzó a componer y que le dio un sonido que logró hacer que esta canción se convirtiera una de mis preferidas y una pieza redonda. Parte del logro de esta rola se debe a la batería, la cual se nos presenta con gran, gran destreza, manteniendo un sonido agresivamente distorsionado: los gritos y la velocidad que se escuchan son bestiales. Los solos de la guitarra líder y el acompañamiento de la rítmica son cruciales, buena mancuerna de esta última con el resto, sin ello no sería posible la complejidad musical que desarrolla la banda. Quizá el trabajo del bajo, en esta rola, no sea brillar, sino asegurarse que todo suene como debe sonar: completamente articulado. Me atrevo a decir que es el mejor track del disco entero, la joya de la corona. Según su autor está inspirada en la lamentable gestión de las emociones que han tenido algunas personas que sufrieron abusos físicos y/o sexuales, o de tipo psicológico, por parte de su círculo inmediato y que desencadena un ataque de ira insospechado, el cual podría terminar en masacres en escuelas y actos de violencia contra personas inocentes.
Buen porcentaje de las canciones fueron escritas por el guitarrista principal, Eugenio, alias El Caire. Según lo que me han contado, mantiene siempre una amplia gama de propuestas cada vez que componen nuevo material.
“Resilientes”
La voz tiene mucho que ver para que la propuesta musical te atrape en los primeros acordes. Me gusta la tesitura de la segunda voz, le imprime mucha autenticidad y fuerza a la interpretación. Como siempre, Toño Meuly hace el aguante en toda la rola.
En cuanto a lo que se refiere a la letra de esta canción, no puedo evitar hacer la siguiente reflexión: Si el machismo sigue estando presente en el ADN de nuestra sociedad, cómo no aceptar que ocurre lo mismo en las diferentes escenas musicales subterráneas: “Cuando el hardcore y el punk llegaron a nuestras vidas no lo hicieron libres de machismo”. (Bárbara Rebel).
Gran parte de la temática de las letras del hardcore continúa ligada a la masculinidad tradicional, a la masculinidad hegemónica y los miembros de esta comunidad, que, en su mayoría, reproducen los rasgos que describen esa forma de ser, actuar y pensar en las canciones: el honor, la fuerza, reafirmar la hombría, puños bien cerrados, no sentir dolor, la resistencia sin importar qué, etcétera. Ni OTRA VEZ se libra de ello. “Resilientes” y “Reafirma” son ejemplos notorios.
Paco López, en el diario El País, nos comparte que “Resiliencia es una de esas palabras que la pandemia ha puesto de moda, a veces hasta pervertir su sentido. De hecho, la resiliencia es una metáfora sobre la condición humana que las ciencias sociales tomaron prestada de la física, de materiales en la segunda mitad del siglo XX para referirse a la resistencia y la flexibilidad ante los golpes de la vida. Gracias a las investigaciones sobre la resiliencia, hoy sabemos que afrontar las adversidades y salir adelante, a pesar de ellas (o incluso gracias a ellas), no es algo que dependa de la suerte, de los genes o del destino” [1]
En otro orden de ideas, encuentro contradicciones en la letra de “Resilientes” porque mientras proclaman que son fuertes física y emocionalmente, se dicen invulnerables, lo que lleva a la frustración. La misma naturaleza de los rasgos de la masculinidad tradicional en el hardcore los hace incapaces para reconocer que necesitan pedir ayuda ante los problemas, y parte de la resiliencia es eso, saber pedir ayuda.
“En trincheras no hay ateos”
Pocas piezas con estilo hardcore de la vieja escuela aparecen en este nuevo álbum. Esta canción me atrae en demasía, en particular por su rítmica. Pienso que es una de las composiciones más importantes del disco gracias a su simple y contagiosa estructura y a los arreglos.
En la parte lírica de este material discográfico resaltan ciertos matices de espiritualidad, de una especie de experiencia religiosa, por ejemplo, si hablamos de la rola “En las trincheras no hay ateos”, esta es una frase supuestamente conocida, aparece en una película estadounidense hecha en 1942 y en un episodio de la serie M.A.S.H. y hace alusión a que “en casos de miedo o de estrés extremo, como una guerra por ejemplo, la mayoría de las personas tienden a creer en la existencia de un ser superior”[2].
La letra habla del cargo de conciencia. Una vez más aparece un elemento espiritual y de tipo moral, haciendo alusión a un acto de contrición: el arrepentimiento y la culpa. Por ahí se dice que hay un sinfín de veteranos de combate que fueron ateos, lo cual pudiera explicarse en lo que Francisco J. Ayala señala a propósito de: “La religión es una de tantas maneras en las que aceptamos valores morales, pero esos mismos valores también los aceptan personas sin religión o con religiones diferentes, y van cambiando a través del tiempo” [3]. Coincido en que las consecuencias de nuestros actos derivan de las propias decisiones, y sí, ¡vive y deja vivir!, pero como dicen los AA: un día a la vez. He de insistir, esta es una de las canciones de las que más me han atraído, quizá porque, a pesar de todo, es difícil resistirse a una buena dosis de velocidad y riffs que conforman un sonido duro y agresivo.
En cuanto al fraseo, aunque en una de las estrofas tiene un detalle en la segunda voz (pierde entonación en un fragmento), en lugar de restarle, le da humanidad, crudeza, frescura y la batería es ultrarrápida. El Junior la rompe, y como dicen los que saben, los buenos bateristas cambian las acentuaciones de lo que tocan y lo vuelven más interesante, porque no solo es que sea bueno con el control del tempo, sino lo que nos transmite con su ejecución. Una alta descarga, claro está. Qué acertados los científicos cuando sostienen que el hormigueo o escalofrío que te provoca la música ocurre en los momentos de placer musical más altos. Hell yeah!
“Reafirma”
En esta pieza vuelven a sus raíces, aunque también tiene trazos de masculinidad hegemónica, el intro me encantó. Fantástico acoplamiento de todos los integrantes y sus instrumentos. Gracias al bajista, porque bien lo explica Carlo Mazzini: “El bajo es el cimiento de la banda. Es el que articula el ritmo de la percusión con la melodía del resto de la banda. ¿Esa batería linda que amas tanto? Es tremendamente elevada por el bajo que está detrás. ¿Esas guitarras espectaculares que llenan el escenario? Es el bajo quien le da la gravedad que lleva esa electricidad por tu espina dorsal” [4]. El punch, aparte de la música, la da el gritante a mil por hora.
“Víctima perfecta”
Aunque repiten la fórmula del disco anterior con estribillos muy típicos de su perfil y del género, la clave del éxito en el estilo lírico de OTRA VEZ está en lo bien que les queda eso que se llama prosodia letra-música, es decir, la armonía entre la letra y la música, ya que la agresividad musical va obviamente de la mano de las variaciones de tono e intensidad de la voz, donde los acentos líricos coinciden con los acentos musicales y el significado de la letra es congruente con el ritmo y el acompañamiento utilizados. Asimismo, el arreglo instrumental empleado va en sincronía con la ferocidad del contenido de la letra, aspectos que nos hacen concluir que logran comunicar bien su mensaje y cumpliendo con estos requisitos, pues podemos hablar de que se trata de rolas que jamás podrán pasar desapercibidas. “Expiadores de mi ira”, “Resilientes”, “Víctima perfecta” y “En trincheras no hay ateos”, son parte de esas rolas esenciales.
“Naciste para morir”
El intro es muy llamativo y resaltan los solos de guitarra y la velocidad. La habilidad del baterista da un paso al frente en esta canción. Esta va muy de la mano de Ian Mackye en el sentido de no necesitar de distractores para afrontar la realidad, de una vida sobria, del autocuidado.
“SFHC”
Esta pieza es un homenaje póstumo. Meño, ex guitarrista de EL GRITO y LA VIEJA LOKA, entre otras bandas, desde la distancia (Alemania) pensó en su viejo amigo y le escribió una letra que suena a un reconocimiento al temple del Micky y su andar por este mundo. En lo musical no pueden faltar los straightedge hardcore drums, influencias del posthardcore del miembro más joven de este combo, Jorge, alias El Junior. En las voces destaca la colaboración de Darío de HERENCIA DE HONOR, unos coros guturales muy chingones como siempre. Su voz es así. También aquí aparece el buen Jimmy, vocalista de EL GRITO: pura nostalgia con esa voz tipo vieja escuela, un estilo acoplado y apropiado para esta rola, además se suman también el Peñita de EN TU CONTRA y Tito de LA VIEJA LOKA, y al final del tema, en un gesto de validación, acompañamiento y despedida, la voz en off de Doña Cuquita Peralta, la señora madre del Micky.
Este nuevo lanzamiento, al igual que el anterior, llama insistentemente a la introspección, a vernos a nosotros mismos. En otros momentos nos hacen ver que les preocupa sobremanera las causas de la violencia, tanto en “Expiadores de mi ira” como en “Víctima perfecta” se hace énfasis en dicho tema.
Después de escuchar varias veces esta reciente entrega me queda la sensación de que precisamente el thrash tira de un lado y el hardcore de la vieja escuela del otro: están en ese dilema. Y no es extraño, puesto que fue “a mediados de los ochenta que el crossover metal, la fusión del hard metal y el hard core pasó a primer plano a raíz de la popularidad de las presentaciones de EXODUS y TESTAMENT, por un lado y de D.R.I., CORROSION OF CONFORMITY y SUICIDAL TENDENCIES” (Walser, 1993, p.14) [5]. Y “en la medida que el hardcore se entrecruzó con el mainstream metalero, muchas de las ideas anarquistas, de izquierda, anti-sexistas y con sentimientos pro queer, banderas comunes del proto-hardcore, fueron abandonadas a favor de una corriente más apolítica” (John Sewell, 2012, p.209).
Ya lo dijo Hormigos “No hay vida cotidiana sin música”. [6] Cuando escucho a OTRA VEZ me siento más activa e inspirada. La música más rápida tiende a inducir más emociones positivas que la música más lenta. Escuchar a OTRA VEZ es hallar un lugar donde los sentimientos puedan desbordarse libremente. La música de esta banda te da esa licencia. El disco tiene los atributos suficientes para ser considerado un magnífico trabajo que te anima a querer escucharlo desesperadamente en directo: Eugenio, Jorge, Memo, Toño y Yoyo, gracias. Confieso que he pecado pues este LP se ha convertido en parte del soundtrack de mi vida.
PD: Este texto trata de reconocer el trabajo creativo y artístico de OTRA VEZ, una gran banda sonorense crossover hc/trash metal, y aunque no busco iniciar un debate, si busco dar mi versión de los hechos, esto ante los señalamientos en una publicación que circuló en las redes sociales (“Sugar free por siempre”), escrita por Anomia, quien expone, al hablar del nuevo disco de esta banda, que carece de originalidad, olvidando que el hardcore, desde mi punto de vista, como todos los géneros y subgéneros, tiene su estética, así como influencias y referencias musicales, y la música, como toda expresión artística, es una expresión de la vida anterior, eco del pasado, acto seguido: “…el músico, a la hora de componer, se ve influenciado por la herencia musical de su sociedad. La historia de la música presenta casi continuamente el fenómeno de que cada compositor se para sobre los hombros de sus antecesores, eso reside implícitamente en que la suma total del desarrollo musical de su pueblo hasta un cierto momento es el fundamento de su formación musical, y tanto debe él a la cadena de sus antecesores, que sin ellos nunca habría devenido esto que es” (Simmel, 2003:12) [7].
Referencias:
[1] https://elpais.com/planeta-futuro [2] https://es.wikipedia.org/ [3 https://www.agenciasinc.es/ [4] https://es.quora.com/Cu%C3%A1l-es-el-papel-del-bajo-en-una-banda [5] Walser, R. (1993). Running with the devil: Power, gender, and madness in heavy metal music. Hanover, New Hampshire: University Press of New England. [6] Hormigos Ruiz Jaime . LA SOCIOLOGÍA DE LA MÚSICA. TEORÍAS CLÁSICAS Y PUNTOS DE PARTIDA EN LA DEFINICIÓN DE LA DISCIPLINA. BARATARIA. Revista Castellano-Manchega de Ciencias Sociales [en linea]. 2012, (14), 75-84[fecha de Consulta 21 de Noviembre de 2024]. ISSN: 1575-0825. Disponible en: https://www.redalyc.org/articulo.oa?id=322127624005 [7] SIMMEL, G. (2003), Estudios psicológicos y etnológicos sobre música, Buenos Aires, Gorla.
El pasado 28 de noviembre, Hermosillo vivió una noche vibrante de música electrónica experimental que reunió a artistas locales en un evento único que dejó una huella en la escena sonora de la ciudad. Organizado por Heterodoxia Lab, este evento ofreció una plataforma para mostrar la riqueza y diversidad de las propuestas electrónicas que están emergiendo en la región.
El evento, se destacó por su enfoque en la experimentación y la exploración de nuevos sonidos dentro del género de la música electrónica. La cita reunió a una audiencia diversa, desde fanáticos de la música electrónica hasta curiosos que querían descubrir una faceta diferente del panorama musical sonorense.
Hermosillo, tradicionalmente conocida por su música regional y más tarde por su escena de rock, está viviendo una expansión en la variedad musical que ofrece. Los géneros experimentales y electrónicos, a pesar de ser menos convencionales, están ganando terreno entre el público joven y los creadores de la ciudad.
Artistas locales
Obra visual: @pink_str4wb3rry
Fotos tomadas por: Colectivo SynthCodeMayo
Sekta core es, sin lugar a duda, una de esas contadas bandas que conjugan muy bien el estilo de vida y los ideales, perteneciente a lo que se denominó la Tercera ola del ska que surge en México a mediados de los noventa y se extiende hasta nuestros días. Tal afirmación vino a mi cabeza después de leer el titular de una nota que aparecía en La Jornada, en días anteriores, donde la vocalista de Skaparapid, subraya: “Cada vez son menos los grupos que hacen crítica de la injusticia social” [1]. Se refería a la escena española actual. No obstante, quien sabe si ese destino nos alcance.
Sekta core puede seguir siendo Dios a sus 30 años de existencia. No podía ser de otra manera, embajadores de la cuna del skapunk en México: Atizapán y Tlalnepantla, este combo ha estado en todos los escenarios; más allá de su calidad musical, de la locura que desatan en el slam, la velocidad del ska combinado con el hardcore, la furia y el infierno; el aporte más significativo ha sido forjar la conciencia colectiva por años, al diseminar con la letra de sus canciones ideas que señalan las injusticias, el mundo de los de arriba y los de abajo, la cultura de lo cotidiano, buscando el sentido de lo cotidiano en las diversas dimensiones ya sea en lo individual, lo social, lo ético político y lo económico. El Chapo Salcedo, de voz fuerte, franco y carismático bien pudiera ser merecedor de un doctorado honoris causa porque sus composiciones junto a las de Miguel Rizo (baterista) nos han ayudado a definirnos como sujetos sociales, ¿y qué es eso? Sujetos que piensen por su cuenta, inventen su destino, construyan su realidad y la enfrenten como un desafío permanente y constante en sus propias circunstancias [2]. Ellos mismos lo reconocen en una vieja entrevista que dieron: “nuestra misión como grupo en este mundo podría describirse como Propaganda y agitación. Vamos de tocada en tocada y de ciudad en ciudad haciendo propaganda y agitación acerca de ser mejores individuos y mejores personas”[3].
En palabras de la historiadora Tanalli Padilla “el proceso de implementación del neoliberalismo ha sido violento y los jóvenes se dieron cuenta que su único recurso era actuar colectivamente”. Los Sekta core se inspiraron en el zapatismo, al igual que un puñado de bandas más y es bien sabido que “el zapatismo influyó en la forma de movilización social que conocemos”[4].
Entre rola y rola, el gritante de esta agrupación insigne se aventó un speech articulador, pues queda la esperanza de que por su contenido puede conectar a otros individuos e impactar el contexto.
No han perdido su identidad musical, ¿cómo han logrado tal cosa? Porque antes de transferir el poder de decisión en un contrato que hoy llaman 360° decidieron volver al carril de la autogestión, echando a andar su propio estudio de grabación. Entre Rizo y Salcedo, los fundadores, componen gran parte de la música de Sekta core con el más férreo sentido de preservar el sonido de la banda, cuidando celosamente cómo debe sonar.
El regreso a esta ciudad de los de Atizapán de Zaragoza después de tanto tiempo, trajo recuerdos y un simple ejercicio de reflexión en torno a cuatro cosas:
“En Hermosillo de los noventas del siglo pasado las tocadas eran colectivas” [5]. Todavía en el 2004 nos tocó ir a ver a Sekta core en los patios del Casino de los ingenieros, a la intemperie felices, en multitud, antes de que las tokadas se hicieran en lugares más nice. Pienso que eso acabó con la libertad que solía uno experimentar. A propósito de las multitudes en las tocadas, guardadas las debidas proporciones, uno comparte el sentimiento con Eddie Vedder cuando recuerda que “estar en sintonía con todos los desadaptados de la ciudad fue estimulante y poderoso”. Eso sí que es nostalgia de lo vivido.
Ahora no estoy segura de sí en el terreno de lo local se trata de desadaptados o simples feligreses de una secta. Algo muy parecido a lo que un estudioso del tema señala en su análisis del hardcore y el hardmetal:
“Admitiendo que gran parte del dogmatismo lírico del HC es sincero y bien intencionado, se podría todavía argumentar razonablemente que la subcultura, con una tradición de 30 años de gritos por la anarquía y revolución, ha hecho poco para lograr el cambio social que defiende”… dichas subculturas pueden entenderse como pseudoespirituales que, como las iglesias, ofrecen a los participantes formas de conectarse con pares…” “Los participantes tienden a estar de acuerdo en que su participación en estos grupos es un factor importante y elemento definitorio de sus vidas, a menudo su propia razón de ser”.
De viejos y de jóvenes
Al menos en esta ciudad la nueva ola y la vieja guardia tienen escenas distintas, funcionan casi siempre cada una por su lado ¿es así en todos lados?, ¿por qué?
“Nunca tocaste nada ni a nadie”
Sekta core también tocaría en la capital del punk, la fiesta, la amistad y la vagancia, la cual no ha perdido la esencia pues como dice Miguel Rizo de Sekta core cuando se refiere al quehacer de un grupo “es importante que las bandas no nada más toquemos, sino que también realicemos labores altruistas”. He sabido que la escena guaymense está más viva que nunca y sobretodo continúan solidarizándose con las buenas causas, honroso ejemplo de ello son algunos de los eventos organizados por Guaymas Underground productions, por mencionar uno reciente: el concurrido Poly Fest X, cumplen con aquello que Min de Fallas del Sistema ha aprendido a lo largo de todo este tiempo, al estar inmersos en el sistema capitalista nos enfrentamos a diario con la contradicción entonces él aconseja “hay muchas opciones para resolver las cosas, siempre tratamos de usar la menos autoritaria, la más libertaria y la más autogestiva” [6]…Ayuda al de junto, ayuda a tu comunidad”.
“Tocar la guitarra para tener secso a los 16”
¿Hasta qué punto es criticable que una banda escriba canciones de dulce amor? En uno de los interludios el frontman de la Sekta criticó a los grupos que en sus inicios “fueron muy combativas y con textos muy rebeldes y acabaron cantando canciones de amor y desamor porque se acobardan o sueñan con ser esclavos del mainstream”. En lo local, se cuenta por ahí que el mainstream vino a por la Perra Vida y el Miguel decidió correr hacia el underground, tal como aconsejaba Frank Zappa.
Por los tiempos que vivimos quizá sea un poquito urgente ser proactivos; ¿qué pasa con el despertar de las conciencias? Según el Dr. Manuel Sans Segarra “Cuesta mucho despertar conciencias, que la gente sea consciente de su realidad existencial y hay armas para evitar que aflore, estas son: el egoísmo, la ignorancia, la afección a lo material, a la riqueza; el no saber compartir, el miedo al cambio, Así que ¡vivan las canciones liberadoras! Que sigan perviviendo y surgiendo bandas que se preocupen por el bien común. Per secula seculorum. Así sea.
Referencias
El Colectivo BoomBye surgió como un movimiento impulsado por Edgar Lizárraga (Avant Konami) y Mat Hnedy (Mareaboba) entre noviembre de 2023 y enero de 2024 en Hermosillo, México. Desde el inicio, su objetivo fue crear un espacio en la ciudad para la difusión de música experimental electrónica. Finalmente, encontraron dos excelentes lugares en Hermosillo, uno a un lado de ‘Las Olas’, al pie del Cerro de la Campana y el otro en el Bar Pluma Blanca. Estos espacios únicos se convirtieron en un punto de encuentro para la exploración musical y la comunidad artística local en ese entonces. Actualmente, el Colectivo BoomBye ha concluido su ciclo.
Participantes:
Flyers:
La historia de Stress es larga y se mantiene. Una de las primeras bandas en Hellmosillo en
declararse abiertamente anarquista, política y activista, desde temas de género, animalista, y
muchos más, además de que sus miembros son activistas en distintos colectivos.
Rubén, es un buen amigo, además es un referente de la música extrema en su ciudad. Me da
gusto compartirles esta entrevista. Stress déjenme decirles que no están para saberlo pero
fue la única banda en la que intenté participar.
Lean, escuchen y apoyen a la escena local.
JT: Bueno Rubén. Hablar de Stress es hablar de mucha historia dentro de la escena punk,
no solo en México, sino a nivel global. ¿Podrías hacernos un resumen de la banda, desde
aquella madrugada del 92, 93 que comenzó a forjarse lo que ahora son?
R: la banda nació como una broma después de llegar de una fiesta o toquín, donde
veníamos varías personas ya pasando la media noche a la casa del buen Eloy recuerdo que
estaban los instrumentos de ensayo, la batería, una guitarra con su respectivo amplificador
de esos pequeños para novatos.
Recuerdo que alguien tomo la guitarra, no sé si fue el Betocore, yo tome la batería, creo que
estaba la Sonia una amiga, empezamos a improvisar puro noisecore (algo parecido a Sore
Throat, 7MON). Me parece que ahí nació lo que sería Stress más adelante. Al principio era
una banda de broma de ruido improvisado que pedía chance de tocar en los famosos
palomazos que hoy en día ya están extintos.
En unos meses tomó más seriedad con la idea de tocar hardcore extremo o crust mezclado
con algo de grindcore, etc. En esos momentos con fuertes influencias de ENT, Doom, Fear
of God, Sin Dios, Nausea por citar algunos.
Todo gestado en plenos años noventa, para casi finales de esa misma década se pudo editar
el primer material grabado en un 4 track: Tierra y Libertad coeditado con ayuda de Criptas
Records y nuestro sello Rizoma, tuvimos participaciones en varios compilados, tributos,
tocamos en diversas partes del país, hemos compartido escenario con bastantes bandas
tanto nacionales como extranjeras. Con el tiempo ha habido cambios en la alineación. Casi
20 años después pudimos concretar nuestro segundo álbum editado hasta el momento en
cassette y LP.
JT: Stress, como buena banda nacida a finales del siglo pasado siempre le ha dado
importancia al mensaje, recuerdo que Eloy como su primer vocalista, reivindicaba, al igual
que Sin Dios, es el ser una banda panfletaria en el sentido que usaban a la banda para
difundir un ideal. Se que lo siguen haciendo, solo basta escuchar su nueva grabación
Utopistas ¿Es así? ¿El mensaje sigue siendo tan importante como la música? ¿Por qué
mantenerlo igual en estos tiempos, donde el cinismo es dominante?
R: Efectivamente la banda se formó dentro del seno de lo que llaman anarco punk, en esa
época tuvimos mucho contacto con los zines, tuvimos acceso a libros de distintos autores
clásicos por citar a Bakunin, Kropotkin, Malatesta, Magón, entre otros; las bandas con las
que formamos relaciones eran contestatarias, en esos años las bandas eran más socio
políticas, creo que hoy en día somos menos, esto no quiere decir que los integrantes de
ciertas bandas no sean conscientes etc. si no que optan por otras formas de expresión ya sea
metafóricamente o desde un punto de vista más personal, en cuanto al mensaje mantenemos
la misma línea actualizada a los acontecimientos de nuestra realidad o los tiempos en los
que vivimos. Con decirte que en la edición en cassette las letras quedaron microscópicas
por el espacio etc., decidimos incluirlas con en una hoja extra por lo mismo que para
nosotros es muy importante las letras.
JT: Platícanos un poco de la evolución de la banda desde aquel mítico tierra y libertad hasta
el utopistas
R: Han mejorado las habilidades musicales con el tiempo, cuando empezamos aprendimos
las estructuras de composición a través de bandas que oíamos, aprendizaje empírico. Hoy
en día hay un poco más de conocimientos de teoría musical, armonías, otros tipos de
afinación etc. Hemos aprendido mucho de los nuevos integrantes.
En cuanto a Utopistas es una mezcla de los primeros días pero con más dinámicas en las
estructuras no tan lineal, creo que hay un poco más de metal extremo dentro de la fórmula.
JT: Lxs miembrxs de Stress son muy activos dentro de la escena, ya sea con sellos,
fanzines, bandas, platícanos un poco de esto
R: La banda o los integrantes desde los años noventa nos involucramos en diversos
proyectos como colectivos, organizaciones, zines, programas de radio, podcast,
distribuidoras etc. En la actualidad hace unos años se retomó el trabajo del sello, Ángel el
vocalista a través de los años ha tenido diversos fanzines, a su vez maneja una editorial
independiente bifurcación del sello, llamada Rizoma Ediciones donde apoya a gente afín a
la poesía, minificción etc.
Recientemente con el zine Veneno enfocado a los géneros extremos en formato PDF e
impreso, más recientemente en el formato vídeo zine. También se gestaron otros proyectos
como Müsydez donde la idea era salir de nuestra área de confort y experimentar con otros
sonidos con miembros de otras bandas en ese momento de Cenizas, Vahj y Ética Perversa.
Concretando un álbum.
También se me invitó a colaborar con la banda black & roll Orgón Jihad, en el cual ya se
editó un EP y está en proceso un nuevo álbum, hasta el momento se han lanzado dos
sencillos. David bajista participa en Brigada II VI III.
JT: ¿Quiénes integran a stress en este momento?
R: David Contreras bajo
Antonio Barragán guitarra
Ángel Orozco gritos
Rubén Martell batería.
JT: ¿Con treinta años en la escena, pregunta obligada, que diferencias, cómo sienten que ha
mutado, cuáles son tus impresiones?
R: Es verdad este año se cumplen 30 años de este viaje llamado Stress, la verdad nos tocó
ver como se hacían las cosas a finales de los ochenta y en la década de los noventa,
nosotros fuimos participes de las relaciones a través del correo tradicional , los
intercambios de cintas, para darte a conocer tenías que mandar flyer de tu proyecto por
carta, un ensayo o si ya tenías algo en estudio un promo o avance, llegó el internet y con el
correo electrónico se acortaron muchísimo las distancias y los tiempos, los acuerdos se
agilizaron para la distribución o participación en alguna edición o compilado.
Nos tocó usar el myspace, desde ahí organizamos una gira que realizamos en el 2003 junto
a No Más No a través de varias ciudades del país.
En cuanto a las posibilidades de plasmar tu música hoy en día es fácil por así decirlo, sólo
ocupas una laptop, una interfaz y un programa DAW. Cuando en aquellos años
rigurosamente tenías que ir a un estudio o la opción más casera una consola como cuando
se grabó el Tierra y Libertad.
Ahora los shows son en bares, algunos especializados para eventos por así decirlo, En los
viejos tiempos muchos fueron en casas, terrenos, o en locales para fiestas. Ahora las
ediciones en físico casi son exclusivas de coleccionistas, estamos en la era del streaming, la
música es mucho más fácil de accesar pero a la vez etérea me parece.
JT: ¿Cuáles son los planes a futuro de Stress?
R: Por mi experiencia me dice que vayamos un día a la vez, pero queremos girar de nuevo
en distintas ciudades como en antaño, seguir promoviendo el nuevo disco, ya tengo unos
riffs e ideas para temas nuevos…
JT: Ahora un par de preguntas sobre rizoma. Puesto que para mí los sellos son parte
importante de la escena, platícame un poco de la historia del sello.
R: Cuando en Stress sólo contábamos con ensayos en tape, donde usábamos una grabadora
de las que se usaban en los 80’s y parte de los 90’s. Recuerdo haber enviado varios demos
ensayos para ver si algún sello se animaba a editarnos. El que confió en nosotros fue el
buen Cryptas, fue cuando grabamos el Tierra y Libertad sólo que la edición se retrasó dos
años si no me equivoco, quisimos pasar el máster de tape de cromo a un DAT nos perdieron
el máster, lo bueno que donde grabamos aún tenían el 4 track se trabajó en otra mezcla ya
de forma híbrida de análogo a digital. En lo que sucedía eso recibí una llamada del buen
Gonzo (RIP) de Coprofilia, fue una llamada larga donde me platico su experiencia de viaje
por toda Sudamérica. Y me propuso si quería participar en la edición del disco del 10
aniversario de Coprofilia me hablo de los costos y vi que era muy viable, lo platique con
Ángel, invite a participar a Eloy Rivas y a otra persona se colaboró en esa edición pero bajo el nombre de Tierra y Libertad Records, después se buscó otro nombre ya que Eloy pensó que era demasiado planfetario, creo que yo propuse Rizoma en esa época estaba leyendo a varios autores postestructuralistas, se tomó del libro de los autores Gilles Deleuze y Félix
Guattari.
Ya como Rizoma se editó en formato CD el primer disco del Grito y el de Stress en
cassette. Inspirados por el trabajo previo del buen cryptas decidimos coeditar para tener
más control de las copias. Después apoyamos a otras bandas como: No Más No, Nunca
Más, las siguientes producciones del Grito.
Nos tocó cuando en los blogs empezaron a subir todo el material del Underground a
mediados de los dos miles. Ya no era viable producir mil copias y que se nos quedarán
muchas copias sin mover etc. Por lo que paró unos años el sello en 2009.
El mundo cambio nuevamente las compañías de manufactura fueron más flexibles con
tirajes de mil, quinientos, y trecientas copias en formato CD, este año ya se puede
maquilar 200 copias en disco replicado u original. Están las alternativas en multicopiado o
CDR pero con calidad profesional ya que el empaque o impresión del arte ya sea en caja de
plástico o digipack funciona muy bien para imprimir tu música.
Regresó el cassette y el vinil que nunca se fue por así decirlo en ciertas regiones como
Europa o Japón.
Nos reactivamos en 2018 al coeditar en tape a Escasez, banda de crust melódico de Tijuana,
sacamos el fanzine con CDR de Stress del 25 aniversario, a Habak también en formato de
tape. Es más flexible poder manejar ediciones limitadas en cuanto al número de copias etc.
Editamos por primera vez en el sello un vinil fue un trabajo colectivo con otros sellos. Creo
que esta sería la historia de cómo nació el sello.
JT: Planes futuros de rizoma y lo que tú quieras agregar
R: Dentro de los planes futuros, queremos seguir apoyando producciones de bandas afines
dentro de nuestras posibilidades, en puerta están más o menos unos proyectos por venir,
pero es mejor esperar a que se concreten para poder anunciarlos. Muchas gracias por la
entrevista, saludos.
Stress vídeo confinados
https://youtu.be/OwMsYwsVxjk
Stress bandcamp
https://stressgrind.bandcamp.com
Stress facebook
https://www.facebook.com/profile.php?id=100063586361526
Cartel del “Ritual 2022” este sábado 10 de dic. 2022 en Hermosillo, Son. Mexico. (3 escenarios)
Venta boletos: https://www.eventbrite.com/e/ritual-2022-tickets-470403548677
Con cartelazo de lujo y a $50 varos!!
Hyenna, Agonica Thrashmetal, Grito Hermosillo Hardcore, Thrashammer, y de AguaPrieta Enrique Segoviano y los No Muertos!!
Bestia Promotions INVITA!
London Hermosillo
Sábado 17 Diciembre 2022
8:00 pm / +18ID
HILLO-SON-MX
Reflexiones y comentarios sobre el videoclip “Carroñeros” de Hyenna.
Los días de junio, entre otros acontecimientos, trajeron el estreno del primer video oficial de la banda hermosillense Hyenna, fundada en 2017 por el Viraz, Iván y Jaime, quienes nos demuestran que en ellos coexiste el “forever young” y el “act your age”.
Celebro que sobre el video se hayan escrito varias reseñas en internet con enfoques distintos y sumo la mía. Me gustaría comenzar diciendo que a pesar de que las hienas se encuentran entre los depredadores y carroñeros africanos más emblemáticos por su astucia, sigilo y fiereza, son quienes peor reputación tienen. Entiendo que la banda escogió el término “carroñero” porque está atendiendo a la parte de la interpretación que relaciona la carroña con algo que está corrompido o podrido y que resulta ruin, como lo es la corrupción; y los señores de la carroña, siguiendo la fórmula, en palabras de Richard Yarnell de la Nottingham Trent University: “como si fueran unos matones de las llanuras africanas que se ríen mientras se juntan para robar la comida que le ha costado tanto obtener a sus competidores más majestuosos”.
Marx sostiene que “el modo de producción de la vida material [capitalismo] condiciona el proceso de vida social, política e intelectual en general, a través de una estructura política-jurídica e ideológica”, formas sociales que en la práctica aparecen dictadas a través de instituciones represivas como la policía, el ejército, las cárceles e instituciones ideológicas como la Iglesia.
El video “Carroñeros” señala la corrupción que corroe a México en sus instituciones, pero también en la ética de algunos de sus ciudadanos. El cineasta mexicano, David Zonana, desde su particular visión, dice al respecto que: “no solo se trata de la perspectiva económica o política de este mal, sino de la falta de empatía y los ciclos de corrupción que terminan por erradicar los valores, sistemas en que estamos envueltos y que terminamos por repetir generando una disparidad social más amplia y en algunos casos, una búsqueda de justicia cada vez más violenta”. El tema de la corrupción resulta tan complejo… Gustavo Rivera escribió en su libro Corrupcionario mexicano un ensayo tratando de entenderla a través de tres maneras distintas: la corrupción de ellos, la corrupción de nosotros y la corrupción de todos. Todo un dilema existencial.
Cuando estaba escribiendo este texto no pude evitar recordar cuando Peña Nieto aseguró, en el Foro Económico Mundial sobre América Latina, que la corrupción en México es cultural. Está equivocado, lo que sí fue muy evidente es que para Peña y sus métodos, la corrupción era en efecto, una cultura.
Dicho sea de paso, la corrupción crea un terreno fértil para las actividades de la delincuencia organizada. En este trabajo audiovisual, Hyenna nos lleva por los claroscuros y los tejemanejes de los bajos negocios de la política escondida. Todo está conectado. Para los grupos de poder, las grandes corporaciones, las mafias y el crimen organizado, la vida no vale nada, pero las riquezas materiales sí. Se dice que los corruptos se forjan al tener ambiciones egoístas y codicia.
Una buena y justiciera analogía es la siguiente: las hienas son excelentes cazadoras, todo gracias a su inteligencia estratégica, rasgo que intuyo en Hyenna como agrupación. El concepto y su sincronía, musicalmente hablando, nos presenta una banda crossover que exuda furor con influencias del metal, del grind y el hardcore. Las guitarras fuertes y distorsionadas, el sonido del bajo y la batería que se escuchan muy densos, así como la voz gutural, conservan la estética del metal y diversifican su sonido haciendo una fusión. Hyenna es una banda natural e innovadora y su mordida deja marca.
Ahora bien, en cuanto a la composición musical de esta rola, yo no exijo solos porque no todas las rolas deben de tener un solo, es un aspecto muy del género “jevi” y los que saben de estas cosas opinan que debe utilizarse bajo ciertas condiciones, principalmente negativas, cuando, por ejemplo, la canción es escueta, le falta intensidad o es muy repetitiva. Lo que no sucede con “Carroñeros”.
En primera, he de decir que, para ser músicos independientes, el grabar un video musical es una eficaz manera de promocionarse. El sencillo elegido fue el correcto y que hayan sido ellos mismos quienes representaran los personajes principales en cámara fue un gran acierto. En cuanto a la canción, la cualidad interpretativa es buena, me deslumbró el sonido de la guitarra, fuerte y distorsionada, y el bajo áspero, potente, y la batería, ya lo saben, es la maestría escénica, un virtuoso, un homenaje a la energía. En cuanto al video, la teatralidad, el lenguaje corporal, e inclusive, la gestualidad, me conectó a la trama: bien dirigidos estos batos. Ocurrió lo que en teatro denominan “el rompimiento y traspaso de la cuarta pared”, esto es, nos identificamos con la realidad mostrada y esto creó una especie de lazo directo (aunque sea virtual) y así, al sentirnos involucrados en la historia, compartimos los sentimientos de frustración y coraje que se generan. Va mi reconocimiento por su entrega total.
Quise buscar el punto de vista de alguien más, no para pasar el balón, sino para corroborar mis percepciones del trabajo que intento analizar. Me acerqué a un videoasta experto en Hermosillo, Noé Kuamhea. Le hice un par de preguntas muy básicas sobre el video y le pedí nos hablara un poco del trabajo técnico detrás de cámaras. Esto fue lo que me dijo:
“De entrada y así sin preámbulos, amo los videos musicales que se componen de imágenes de la banda tocando entrelazadas con tomas de alguna historia, ya sea que esté relacionada con la letra de la canción o no. El trabajo con el que Hyenna debuta en el ámbito de los videoclips ¡es una chulada!, y no queriéndome extender, porque luego me emociono hablando de estos temas, trataré de ser breve: la parte de la historia está exquisitamente bien armada, desde la locación, todas (todas, todas, todas), las piezas de utilería, vestuario, iluminación principal (románticamente lúgubre) y los matices de las luces complementarias de color rojo para aumentar la maldad por medio de la psicología del color, la actuación de los miembros de la banda, la inclusión de extras, etcétera. Todo esto hace que este cúmulo de fotogramas me arranque una sonrisa de emoción cada que lo veo. Y es que yo valoro, aplaudo y disfruto de las bandas que se involucran y cooperan al momento de hacer un video. Porque cada pieza de la utilería costó tiempo y/o dinero, igualmente el vestuario, el diseño de imagen y hasta el aguantarse la risa cuando te pega el tonto durante el rodaje. Siempre me da gusto cuando veo que la banda participó de alguna manera al momento de escribir el guion, pues esto sirve mucho para que el videógrafo pueda plasmar, aunque con su toque personal, la idea y esencia original del artista. Y menciono esto porque me he topado con tantas bandas que realmente no les interesa participar en la creación de la obra. Y lo digo así, porque también requiere de bastante composición y talento, pero hay bandas que sí se preocupan por hacer las cosas bien y les gusta invertir su tiempo y creatividad en esto, ya que, por ejemplo, el video de Hyenna es rico en detalles que nos hacen volver a verlo: el mantel de la mesa, las palabras ferradas en la carne o el mono de peluche bajo la mesa, todos estos y más detalles, logran que esto, que al final de cuentas es un cortometraje, sea un trabajo sólido como a los que ya nos tiene acostumbrados Lu Franco desde hace tiempo en el mundo audiovisual. La codirección del señor Jaimelvis (vocal) me habla a mí del gran compromiso que tiene esta gran banda de hacer las cosas bien y del talento feroz que tienen para lograrlo. La parte de la banda tocando está super bien hecha y si no estuviera incluida en el videoclip, este para nada sería igual de bueno. Me gusta mucho el contraste de la locación blanca con el negro de la ropa estampada por emblemas de la banda. Filmar la parte de la banda tocando requiere de preparación, dedicarle tiempo e invertirle dinero, así que mis respetos por haberla incluido y sobre todo muchas gracias por incluir tanto tomas de la banda como tomas de la historia actuada. Muchas gracias por la invitación y les dejo algunos videos de bandas de Hermosillo que nunca me enfadan: The Horrorscopes con “Slasherism”; Corrosión con “Depredadores” y Akelarre con “Spirit of Oppression”.