No sé cuánta energía se consumió en la organización de un evento como el de Unidos Fuertes Sugar Free (el pasado primero de julio en Hermosillo), evento que contó con la participación de nueve bandas, de las cuales tres eran forasteras: En Contra de Todo (Colombia), xHasta el Finalx (CDMX) y Los Alex (Tijuana, BC), y el resto eran agrupaciones de casa (Nueva Realidad, Irracional, En tu Contra, Herencia de Honor, Otra vez y El Grito)… lo que sí tengo por seguro, es que las tocadas maratón son difíciles de aguantar para los que somos, como dicen por ahí, “de alma joven y cuerpo gastado”.
Clarividente en cinco minutos
Creo que hubo gestos de parte de la organización que delatan el motivo de haber elegido este cartel. Voy a ponerme un poco mentalista: el primer objetivo fue reencontrarnos, por supuesto, celebrar la amistad y realizar un homenaje póstumo (que estuvo en pausa por la pandemia) al Micky, bajista de honor de la agrupación -hardcoreña de nacimiento y trashera de corazón- Otra Vez. Redimir las historias, sueños, dolores, alegrías y anhelos a través de fotografías que se proyectaron durante la presentación y que intentaron atrapar un fragmento de su vida, nos conmovió y nos animó a superar obstáculos (eso, sin duda, fue una buena idea).
Como segunda intención entreveo el hecho de mantener viva la música hardcore con una pequeña ayuda de los amigos; y una tercera finalidad, apuesto, fue confrontar y conectar al público y a los músicos, quienes están haciendo el hardcore de nuestro tiempo y el posthardcore de los centennials con ingredientes crossover como el metalcore: música de excelente calidad en los headliners y también grandes actos de las bandas cuyos nombres estaban escritos en letras pequeñas dentro del póster.
Subtramas
Había razones para llegar temprano: el debut del Toño Meuly (former member de Otra Vez) como gritante de Nueva Realidad, banda telonera; la participación especial de otro miembro fundador y primer baterista de Otra Vez, Nacho, ahora con sus brothers de En Tu Contra, banda que lidera don Peñita, cuyas rolas hablan acerca de las fases por las que pasamos las personas a lo largo de la vida (microcosmos) y el costo de adaptarse a esos cambios, la omnipresente violencia y la sociedad del miedo, entre otros tópicos (macrocosmos).
Los cliffhangers de la noche y la fobia a la tristeza
Siempre pueden producirse contratiempos que escapan a nuestro control. La clave está en saber enfrentar las dificultades. La intervención, muy esperada, de Otra Vez, cuya presentación, junto con la de El Grito, tuvo que ser recortada por dos infortunios: uno, el ingeniero de sonido no llegó a tiempo y se recorrió el timing; y dos, la rotura del cuero del tambor del bataco de Los Alex, agrupación de hardcore punk (los barbudos de Tijuana), lo que retrasó aún más la tocada. Pero al final, nada de eso importó porque la atmósfera se cubría de ciertos ánimos que avivaban el ejemplo de quien nos dejó, pero que seguramente estaba allí esa noche en espíritu entre nosotros, junto con su amiga perruna, fiel e inseparable, Eva; y no olvidemos ese momento bastante emotivo de la noche, donde la madre de Micky subió valientemente al stage regalándonos unas palabras, porque nadie sabía mejor que ella que lo que era la música para su hijo.
A casi dos años de la partida de Micky sigo deseando tener un talismán que lo sane y regrese. No solo sus compañeros musicales hicieron acto de presencia, me emocionó ver a escasos pasos del escenario al barrio “puras granjas”, solidaridad territorial, arraigo con fuertes lazos afectivos y de vecindad.
Habían tocado ya la mitad de las bandas cuando xHasta el Finalx subió al escenario, recién llegando del centro de la república y enrolados en un mini tour denominado “Sigue latiendo”, tour que tocaría puntos geográficos como Tonanitla, Toluca, CDMX, Hermosillo, Ciudad Juárez y Chihuahua. La verdad fue un gusto escucharlos y poder identificar (a través de las letras y su actitud) algo muy importante en una banda: la humildad. Ejemplos de ello fueron las repetidas muestras de agradecimiento, la búsqueda de la cercanía con el público y la petición oficial de una foto grupal al terminar su intervención. Y es aquí donde pienso en el Micky… aún siento cierta incomodidad porque recuerdo cuando él mencionó, sin perder un ápice de la humildad que lo caracterizaba, que sabía que Otra Vez había sido una banda infravalorada. Uno de los mejores minusvalorados, como diría Calamaro.
Por su parte, xHasta el Finalx, con insignias antifascistas, antiespecistas y vegan straightedge, interpretó rolas hardcore punk de su disco Cuantas cosas he callado (2018), tales como “Por encima están tus intereses”, “Hasta el final”, “Straightedge”, “Silencios” y “Bici”, la mejor de todo el setlist de su más reciente álbum: Gris (2020).
Stranger things
También a veces suceden acontecimientos extraños o inusuales en las tocadas. En esta, un guitarrista con una playera de un grupo musical neonazi en la alineación de En Tu Contra, algo naturalmente contradictorio. Una incongruencia política porque según la definición de Arriaga, que me gusta porque simplemente hace brillar los preceptos, enuncia:
“El hardcore es un movimiento que concientiza y propone una serie de valores y acciones que apelan a la solidaridad, la fraternidad, el apoyo y la organización autogestiva para desmantelar ideas dominantes tales como el racismo, el sexismo, la homofobia y cualquier otro tipo de marginación social impuesta y fomentada por la totalidad del sistema cultural y social dominante”.
Cúspides sonoras
Pasaban las horas y la música en vivo no paraba. En el clímax del concierto los Otra Vez incrementaron su punch, empujaron su música hacia nuevas intensidades al sumar la guitarra de Iduma, y mantuvieron un sonido agresivamente distorsionado: los gritos, la velocidad y la forma en que se escucharon fueron bestiales. Cabe resaltar que el grupo adelantó su nuevo sencillo “Sugar Free Hardcore”, dedicado al hombre orquesta, el Micky, e invitaron a incorporarse al escenario a los vocalistas de Herencia de Honor, El Grito y En tu Contra. La calidad del sonido en el London Pub fue excelente. Noté que al tocar Herencia de Honor se escuchó saturado el sonido, entonces, alguien al oído me dijo: “eso es una guerra de amplis”.
Criaturas de la noche
Pasadas las doce, como si fuese un ritual para transformarse en hombre lobo, con El Grito tocando, en el moshpit podías entresacar a los machocore, llegaba la hora de las patadas y codazos (citando a un viejo conocedor parte de la comunidad), el de tomarte desprevenido para asestarte un chingazo. ¿Hardcore New York o simple machocore?
El encanto se robó el show
Hay algunos músicos que tienen la capacidad natural de volverse el centro del escenario y hay otros que no tienen ningún carisma al margen de la música. En esta ocasión hubo dos músicos que pintaban la emoción en el aire: Iduma, cuyo lenguaje corporal creaba cierta intensidad coordinado emocionalmente con el resto y sin ninguna tensión propia aparente y, por otro lado, el guitarrista de En Contra de Todo, Kevin Coterio, que nos mostró la fuerza de las palabras y a través de ellas manifestó su forma de pensar y ver el mundo, un tipo inteligente, inspirador, que se preocupa por los demás. Nos recordó a su propio modo que somos animales políticos y que el hardcore tiene tintes políticos desde sus orígenes.
En Contra de Todo
El grado de implicación física del vocalista de En Contra de Todo, Yesid González, era el adecuado a la energía de su música. Y vaya que los parceros dieron de qué hablar. Sin duda coronaron. Algunos pensaron se trataba de una propuesta de posthardcore más, sin embargo, estábamos ante una banda originaria de Medellín, Colombia, con 17 años de trayectoria y quienes se encontraban en su primera gira internacional “Prevalece el fuego tour”. Una banda comprometida política y socialmente, dejando ver en sus letras, en palabras de ellos mismos: “un mensaje claro de perseverancia, así como también una postura de rechazo e indiferencia, frente a toda actitud de carácter violento, represivo, hostil y radical”.
Esta banda cuenta con un amplio material discográfico, entre los que destacan Nuestro ideal (con cinco tracks, trabajo del año 2009), Vivir lo que es real parte I (compuesto por seis tracks y grabado en el 2011), Vivir lo que es real parte II (que consta de ocho tracks y se editó en el 2013), y su más reciente disco de larga duración: El fin de mis miedos, influenciados por el sonido crudo y agresivo del punk rock latinoamericano, pero también por la fuerza, la energía y la actitud de la escena hardcore de la vieja escuela, pasando por lo más melódico y nueva escuela con influencias de agrupaciones como Stretch Arm Strong, Champion, H2O, Ignite, Sick of It All, Shutdown, Agnostic Front, Casey Jones, With Honor y Come Back Kid, por ejemplo.
Siempre hubo otros mundos y ahora están en este
Algunos piensan que la música hardcore y el movimiento contracultural detrás se murió en los noventa, otros opinan que seguimos respirando el hardcore porque a la gente nos gusta la música rápida, tremendamente acelerada y frenética; unos más presuponen que mientras exista quien cargue la antorcha de su legado y se asegure que la llama no se extinga, el hardcore no se olvidará y se volverá más fuerte, pero allí es donde radica el principal problema o la principal incógnita. ¿Qué rumbo tomará?, ¿existe preocupación por la ferocidad de su reputación, la pérdida de las raíces musicales, por la distorsión de su mensaje?
Los Viejos son perseverantes, disciplinados y juegan serio. Digo esto porque logran materializar sus objetivos, independientemente de la diversión que consiguen haciendo lo que les gusta… en realidad, ensayan en la casa de Eustaquio (Leo) entre una y dos veces a la semana (en promedio), porque si no se les olvidan las canciones y además les encanta aterrorizar a todo el barrio con el pinche ruidero. Tienen las capacidades técnicas y las competencias necesarias para gestionar su proyecto vital. De su paso por otras bandas recordemos que el viejo Jacobo (Jordi Alacont) formó parte de Gula y durante la pandemia se unió a las filas de Zorak!; mientras que el viejo Eustaquio (Leo Padua) ha trabajado con bandas como Hong Kong Blood Opera, Dischord, Mink, S7N, Después del Odio, Bestia, Bruha, etc.
Los Viejos, como banda, surge después de la disolución de otro proyecto en el que participaban Jordi y Leo y que se llamaba Parking Valet. A finales del 2010, Hong Kong Blood Opera, banda sonorense, los invita a una tocada del Día de Muertos en Puebla, donde la única condición fue ir disfrazados. No tenían disfraz. Camino a la fiesta se hicieron de unas máscaras de viejitos malhumorados y enojones, y como si hubiesen tenido una “punkzada”, les gustó la sátira de ser un par de vejetes tocando puro pinche trash, grind y sk8punk… and since then they´re giving skateboarding a bad name.
Debo decir que me gusta mucho esa analogía que hace Uili Damage (de Los Esquizitos) entre el sonido de Los Viejos y el skateboarding: “El hardcore es como lo natural de andar en tabla, es dinámico, es veloz, es energía, es justo lo que estás haciendo con los pies, están hermanados”, también lo que opina el skater Paco Manzanares me encanta: “En los setentas cuando del terreno horizontal se pasa al terreno vertical traen esa influencia hardcore punk, el sonido es muy rasposo, muy crudo y eso es el skate, es pasar sobre el coping, deslizar, es troquear, el eje de la patineta es metal con metal, entonces eso produce un sonido que hace salir chispas”. Esto describe bastante bien el sonido de esta dupla, estos dos grandes ejecutantes que honramos aquí.
Leo inició su preparación musical a los 14 años en la academia de música Yamaha y se convirtió en un baterista excepcional con infinitas posibilidades de creación musical, su velocidad y brutalidad en la ejecución de blast beats y patrones de doble bombo lo hacen todo un maese en la música de Los Viejos; entretanto, Jordi siente que ese sonido que por 25 años trajo en la cabeza (una suerte de half-pipe dreams) le voló el cerebro. Su primera aventura fue una banda que tocaba doom-death. A los dulces dieciséis ya había compuesto sus primeras rolas en la guitarra. Jordi y Leo pertenecen a esta generación subterránea que, según los estudiosos de la época, en los noventa aprendió a gestionar su producción musical, su mercancía y a organizar sus shows, y, a diferencia de sus antecesores, recurrieron al humor para hacer frente a las políticas de la región y vivieron el auge de la práctica masiva del skateboarding estrechamente ligado a la escena punk de esos años.
Por ahí se dice que “la influencia es un tónico peligroso” y en el sonido de Los Viejos el punk rock californiano de 1990, cuyas casas discográficas independientes fueron Epitaph y Fat Wreck Records, es irrebatible. De ahí que los riffs de guitarra sean tradicionales pero muy poderosos y acompañados de una furia incontenible en los gritos.
El furor alrededor de la propuesta de Los Viejos se refleja en el fenómeno musical en el que se han convertido concretando una vertiginosa carrera musical. En cuanto a lo lírico, voces diversas, inclusive ellos mismos, insisten en afirmar que sus letras no son políticas. No obstante, tanto en su primer trabajo de estudio: Quebrantahuesos (2012), como en su segunda entrega: Sociedad del miedo (2016), y en su última producción discográfica: Green Screen (2019), esa desafección no es tal. Por un lado, estamos ante un manifiesto divertido, esto porque el humor permite soportar sentimientos e ideas de otra forma inaceptables, pero esto no implica que sus letras estén desprovistas de posicionamientos: nos presentan la vejez como etapa de vida en una sociedad donde constantemente se promueve la juventud como valor supremo de belleza. Al contrario de esto, nos convidan a centrar la atención en el aquí y el ahora, en lo sutil que pudiese ser el edadismo, un término que comprende los estereotipos, los prejuicios y la discriminación que ejercen unas personas sobre otras por su edad. Dinámica de exclusión que afecta tanto a los mayores como a los jóvenes.
Siendo el rock un género, “por lo general maduro y cada vez menos juvenil” (David Gallardo), Los Viejos alientan a la comunidad rocker “a enfrentar y vivenciar la vejez no desde el dramatismo, sino con una mirada de optimismo y alegría”, tal como lo propone Ailén Ramseyer en su tesis acerca del envejecimiento. Bueno… quizá estos “¡bombos, guangos, secos, huilos, guavesis, tilinquis, jorochis, socrosos, rejegos, viejos bojos jodidos!”, sean casi felices porque justo en el momento en el que dan a conocer su segundo material en el contexto de nuestra situación como país se cumplía una década de un conflicto sin cuartel: la guerra contra el narco, y como expresaba Umberto Eco: “quien diga que es totalmente feliz es un cretino”.
El contenido lírico en este preciso disco nos advierte, así como sostiene Ramseyer: “[…] es menos importante el tiempo que pasa, que lo que ocurre durante ese tiempo” (la canción “Amnesia en el Estado”, por poner un ejemplo). Flores Rentería explica de forma muy sencilla que el hombre es por naturaleza un animal político (Aristóteles), ¿y qué significa vivir políticamente?: que se posee la capacidad de discernir, pues esta remite al acto de pensar, el cual permite formular juicios y opiniones.
Los Viejos le dan el espaldarazo a la vejez, hablan sobre la situación actual del skateboarding en México señalando compadrazgos políticos en la asignación de la construcción de skate parks y la falta de apoyo al deporte, incluido recientemente el skateboarding. Además, ven con agrado que haya más niñas patinando cuando antes era impensable que pisaran un parque para patinar, se ensuciaran y se golpearan y les aparecieran moretones, costras, etc., porque la sociedad esperaba que la mujer fuese de excesiva pulidez, compostura, delicadeza, gracia en porte, gestos y acciones. Asimismo, en plena pandemia critican la resistencia a vacunarse de algunas personas, subrayando que esto tiene origen en el desconocimiento y las creencias religiosas o políticas (esto se puede notar en su rola “Simio pandémico”), promueven el uso de la marihuana (esto es claro en el tema “Pequeño bonsái”), participan en una campaña de salud para crear conciencia sobre la enfermedad espondilitis anquilosante, llaman al despertar de las conciencias (pongamos por caso la pieza “Zona de confort”), y encima se dedican a hacer surfing en las aceras, uno de los deportes más políticamente incorrectos que han existido al provenir de una subcultura.
Jacobo y Eustaquio, con cabeza de viejo y cuerpo de joven, arman un buen desgarriate, sortean la existencia de un bajista usando un octavador y como resultado tenemos un sonido muy amarrado que al mismo tiempo es guitarra y bajo sumado al doble bombo que le da ese sonido grave y muy completo. En una entrevista de Signos FM mencionaron que el baterista es patrocinado por Yamaha Drums México, Evans Drumheads, Promark y TRX Cymbals, quienes se encargan de proporcionarle platillos, baquetas y tambores para tocar en sus diferentes proyectos.
Los Viejos no son ni serán un dúo dinámico solo pasándoselo bien, debajo de esas máscaras y su desafío a las reglas practicando el street skating, la verdadera esencia del skateboarding, teniendo como principal elemento de su skater style, o dicho en otras palabras, su estética: una patineta a su gusto y una custom skate guitar hecha de ocho tablas usadas “que suena muy verga” (en palabras de su propietario), y su aire de tocar obedeciendo a antojos musicales, pecan de excesiva modestia, porque detrás de todo esto hay un malabarismo técnico impresionante, prestan demasiada atención a los detalles, son cosijosos, como un non plus ultra les sugiero escuchar el minuto 32:39 del podcast Episodio 32: Los Viejos en Conversaciones de altura, y verán a lo que me refiero.
La espera para verlos en acción en Hermosillo ha sido larga, su visita se ha pospuesto en más de una ocasión. Con ansias locas espero verlos. Cuando pensábamos que no podía caber más emoción en nuestros cuerpos anuncian su llegada un par de viejos necios que sigue enamorando a su público, confiada estoy en que será una noche grande porque nos deslumbrarán cuando su obsesión, hoy por hoy, es lograr un sonido más crudo, pero que llegue.
Al echar la vista atrás, al terminar su presentación, sé de antemano que solo habrá agradecimiento a estos dos genios musicales, que al igual que uno de los ídolos del skateboarding por antonomasia de la generación, Tony Hawk, pese al correr de los años, nunca dejarán de intentarlo hasta el final.
Cuando se piensa en Navojoa, no nos imaginamos que existe el punk rock dado que no es una ciudad de concreto, pero como lo menciona Evaristo Páramo, el punk puede salir de cualquier lado desde un rancho o desde el bosque.
Esta vez se reunió la hermandad de bandas que llevan tiempo en la escena que se respetan y admiran, no ese tipo de admiración cromador este respeto de verdad. Todo esto fue posible gracias al señor carlos maniaco y la organización Cabrones Boys Chopper que demuestra que cuando se quiere revivir la escena no es necesario un gran escenario, es solo tener actitud.
Los primeros en hacer mover el esqueleto fueron los señores de Manifiesto Realidad que como siempre buscando hacer conciencia con sus canciones y con tremendos músicos llevan la música de protesta a otro punto, siempre dejando todo en las tablas o en la tierra según sea el caso.
Después toca el turno a la banda local a tocar Los hijos de la crisis a meterle ruido papá!! Dejamos todo y nos rendimos a nuestra gente y claro a hacer lo que sabemos un desmadre!
Al final de la noche agradezco a esta gente a la que va y hace que esto siga!!
El es uno de los fenómenos poco usuales en la historia de la música local, ser líder, compositor y creativo de la banda pocas veces lo observaras, además de ser un histórico en la lucha social, maestro y director de su propia Estación de radio comunitaria, este hombre mil usos a hecho clásicos que han influenciado a bandas legendarias, como El Grito, Otra vez, La Vieja Loka, Humanikiz, entre otras, lo puedes corroborar con míticas canciones donde el ejecuta como “en la calle” “Simplemente Desempleado” entre otros clásicos, hay que reconocer que como baterista es tremendamente limitado y muy escueto en ofrecer mejor trabajo en las percusiones, pero, creo que es lo menos importante, más cuando lo que ha hecho para el rock and roll sonorense es legendario.
Durante mucho tiempo he escuchado dentro de la escena comentarios de que es un bateristas con un hermoso doble bombo, pero con un uso limitado de los platillos y toms, es la constante, creo debido a que muchas de las bandas donde tocó, no le permitía desenvolverse, como ejemplo fue México Cabrón, un metal sencillo, pero, amado por mucha gente, donde no se requería una complejidad, sino ejecutar ritmos exactos sin tanto adorno, pero, a todos nos llega nuestro momento, así que cuando me toco verlo en vivo y ejecutar en Host, aun lado de excelsos músicos, demostró que había madurado, tocando una diversidad de tiempos y síncopes, que jamás le había visto, aunque en mi opinión, su mejor momento de calidad fue con Raptor, donde su doble pedal simplemente fue legendario, es sin duda una pieza infaltable en este top, no solo por su calidad musical, sino por lo querido en la escena, que eso, créanme, no es poca cosa, eso y muchas cosas mas es muy bueno en su trabajo.
8.- Raúl Castillo, Hermosillo (Dynamo)
Hay tipos que son especialistas, así que aquí tenemos al profesor de la limpieza y power metal sonorense, su manejo es excelso, sabe qué hacer cuando le ofrecen progresivo, como lo hizo en su álbum Final Cycle, es que se nota que es maestro de música, es un joven muy disciplinado, como se escucha en su canción No Return, aquí, también contarás con un líder, haciendo que cada producción que salga, tenga una calidad prime, lo mejor de él, es que aprovecha su excelente química con las composiciones de sus guitarristas, insisto, es muy menospreciado y poco apreciado, a pesar de que en cada álbum mejora lo anterior, estoy seguro que si le pones atención podrás darte cuenta de su calidad académica y su buen nivel de composición, más que cada vez son más escasos las percusiones heavy metal en la escena sonorense.
7.- Ernesto “Kasky” Rubio, Guaymas (Mujahidin)
Si hay un baterista de un nivel técnico en el death, es este tipo, un genial grind, pero, sobre todo un trabajo fabuloso de splash y campanas, se puede escuchar en sus diferentes proyectos que ha tocado, pero, donde se logra su magnitud de excelencia es en el álbum Nacidos para el martirio, su adrenalina y fuerza durante sus tokines es impresionante, jamás lo vemos agotado en la fortaleza del golpeo lo confirma, es simplemente un tipo brutal que impresiona, muchos podrían decir que aveces es demasiado individualista, pero, lo atribuyo a su intensa velocidad, una de sus virtudes es probablemente su oído, se entiende con ritmos estridentes sin perderse como a muchos les sucede, tiene un metrónomo interno, que lo ayuda acomodarse cuando se adelanta en sus canciones, es un tipo que te va dejar con el ojo abierto.
6.- Roberto “Pollo” Carrillo, Nogales (Agresor)
Muchos comentan, que se quedó ahí, en los ochentas, vetusto, viejo, cero crecimiento o ejemplo aburrido en la actualidad, parece a veces cansado y con un predecible manejo de platillos si los escuchas hoy, pero, aquí les pregunto, cuántos músico locales cambiaron la historia en su instrumento de la escena local? Bueno para los millennials, les presento a quien lo hizo, en su momento, no había alguien tan rápido, poderoso y que ejecutara un speed tan brutal, no me crees? Solo escucha el demo 87-88, no solo hizo un paradigmático thrash, haciendo que muchos de los bateristas locales lo veían con asombro,y guía indispensable de como tocar el metal brutal, esto se nota en canciones como “No Escaparas”, “Rabia“ entre otros del extenso repertorio, de un grandioso percusionista, que nos ha dejado un legado muy complicado de superar, insisto dado que dejo las reglas de cómo tocar thrash y speed en la escena local, imposible no mencionarlo, como imposible no escucharlo, hoy más que nunca, desde tú vieja grabadora de cd’s en la orilla de la banqueta.
5.- Jesus “Chutxuy” Gastelum, Cajeme (Motoraiser)
Existe la forma simple de hacerlo y no te complicas la vida, pero, no es el caso de este baterista, que le saca jugo a un género que debe de ser sucio, tiene los tiempos, síncopes adecuados, la virtud de él, es que entiende a la perfección su responsabilidad armónica, alternando un sencillo hardcore, con un bombo muy interesante, lo pueden checar en su icónico álbum Alto Octanage, otra cosa interesante de su trabajo, es que es una excelente caja de ritmos, se posiciona en el momento adecuado, algunos me han dicho que muchas veces su afinación no es la correcta, quizás lo sea, pero como mi oído está adecuado a lo sucio, creo que combina perfectamente con lo que compone la banda, es una amalgama de influencias, en la línea del crossover, ha hecho mucho en tan poco tiempo, lo que otros intentan, no esperen un ejecutor progresivo, sino el perfecto visceral, de aquellas tocadas cholas de los 90s.
4.- Gerardo Andere, Hermosillo (Ente)
Si hay un maestro debe de ser él, es un académico, todo lo hace bien, limpio, perfecto síncope, romántico, inteligente, tiene todas las atribuciones, hay que apreciarlo en su máxima expresión en su canción Grietas, tiene la facilidad de ejecutar como si fuese en un salón de clase, lo destacado de este grandioso músico, es que si justifica el mote de maestro, no como otros que toda su vida han tocado covers, él sin embargo demostró su creatividad en su nuevo álbum Eterna, donde por fin se separa de aquella idea de que solo imitaba al percusionista Mike Portnoy, además si me permiten decirlo, reafirma que el músico sonorense tiene y debe, demostrar su calidad, dejando de la absurda idea que solo en extranjero saben tocar progresivo o con tributos y covers, es alguien que no se le ha dado la justa dimensión de quien es, así que es tiempo de colocarlo en el lugar que se merece, por su aporte indispensable en la escena técnica del heavy metal.
3.- Julio Cesar García (Chanana), Hermosillo (Albania, Los Vulgares, Mushasho)
Exquisito, el más de todos los de este top, su visión de campo es impresionante, su manera de componer es como una cebolla, llena de capas, pero su forma de ejecutar los toms y platillos es elegante, toda la música que ha ejecutado esta posicionada en el mundo del indie como de “culto”, lo escuchas en su producción con Los Vulgares, “Mundo de Cristal”, donde transmite su personalidad tímida, casi taciturna, lo hacen llevar una música mucho más personal, con tantos elementos existencialistas que provocan un romanticismo al escucharlo, su crecimiento es como un cometa, si bien es cierto no ha salido de su zona de confort, no deja de tener esbozo de jazz o progresivo en sus ejecuciones, no existe la duda de que es el más mágico, con una narrativa melódica que llega a exponerse como si fuese el propio vocalista de la agrupación, como lo hace en Mushasho en su canción “Tendidos como bandidos” y en Albania ni se diga. Como les repito su ejecución es de “culto” como la idea de ser parte de una soundtrack de película, genio y amabilidad en un baterista.
El baterista con más éxito en la actualidad, parte de la grandiosa escuela de maestros de la percusión en el estado de Sonora, a participado en dos de los álbumes más exitosos de la historia del estado, con Element – Timeless, donde muestra su gran versatilidad melódica, si bien es cierto se le acusó de ser lento y poco energético, con el paso del tiempo tuvo la gran oportunidad de mejorar esa perspectiva, ejecutando canciones de poder, con lo que es a mi opinión personal, el mejor álbum de la historia de metal Colector of Truth de Cirrosis, imprimiéndole un sonido más melódico, mucho más técnico, humano, ayudando a un mejor lucimiento del vocalista, es de esos tipos tremendamente confiables, estoy seguro que los demás músicos en lo último que piensan es en la batería, dado el gran talento compositivo de este gran músico, su estilo le da un aspecto muy positivo a las canciones dado a que no machaca los platillos, sino los toca con elegancia, hay que disfrutarlo más con una visión contemplativa que con adrenalina.
1.- Julio “Zankudo”, Hermosillo (Exhumación, Exhumación de Satán)
Jamás me ha tocado ver un baterista con tanta creatividad y versatilidad, tiene las cualidades más interesantes, no es el baterista que ajusta, sino crea ritmos, no se deja convencer, su grind es simplemente de primer mundo, lamentablemente poco comprometido, lo hizo retirarse prematuramente de la escena, hubo un tiempo que pensé que estaba exagerando, pero, las veces que me tocó verlo tocar, me toco un par de anécdotas, vi como un baterista legendario local lo admiraba al ṕunto de ponerse nervioso, además también escuche de primera mano, como un baterista internacional dejó de hacer cosas, solo para verlo, pregunto, quién demonios era, por que no tocaba en una banda internacional?, es que vio lo que tienen los músicos sonorenses, calidad, el tipo sabe dominar su batería, conoce diferentes géneros que le permite hacer de sus toms parte de su cuerpo, algo de ello lo pueden notar en el álbum Exhumación de Satán, ahí trabajo sin mucho esfuerzo y aun así dejo muchos trazos de lo que es capaz, si ustedes me permiten, es el mejor baterista que he visto en vivo en mi vida, que reafirma que en Sonora, se toca metal elite.
Reflexiones y comentarios sobre el videoclip “Carroñeros” de Hyenna.
Los días de junio, entre otros acontecimientos, trajeron el estreno del primer video oficial de la banda hermosillense Hyenna, fundada en 2017 por el Viraz, Iván y Jaime, quienes nos demuestran que en ellos coexiste el “forever young” y el “act your age”.
Celebro que sobre el video se hayan escrito varias reseñas en internet con enfoques distintos y sumo la mía. Me gustaría comenzar diciendo que a pesar de que las hienas se encuentran entre los depredadores y carroñeros africanos más emblemáticos por su astucia, sigilo y fiereza, son quienes peor reputación tienen. Entiendo que la banda escogió el término “carroñero” porque está atendiendo a la parte de la interpretación que relaciona la carroña con algo que está corrompido o podrido y que resulta ruin, como lo es la corrupción; y los señores de la carroña, siguiendo la fórmula, en palabras de Richard Yarnell de la Nottingham Trent University:“como si fueran unos matones de las llanuras africanas que se ríen mientras se juntan para robar la comida que le ha costado tanto obtener a sus competidores más majestuosos”.
Marx sostiene que “el modo de producción de la vida material [capitalismo] condiciona el proceso de vida social, política e intelectual en general, a través de una estructura política-jurídica e ideológica”, formas sociales que en la práctica aparecen dictadas a través de instituciones represivas como la policía, el ejército, las cárceles e instituciones ideológicas como la Iglesia.
El video “Carroñeros” señala la corrupción que corroe a México en sus instituciones, pero también en la ética de algunos de sus ciudadanos. El cineasta mexicano, David Zonana, desde su particular visión, dice al respecto que: “no solo se trata de la perspectiva económica o política de este mal, sino de la falta de empatía y los ciclos de corrupción que terminan por erradicar los valores, sistemas en que estamos envueltos y que terminamos por repetir generando una disparidad social más amplia y en algunos casos, una búsqueda de justicia cada vez más violenta”. El tema de la corrupción resulta tan complejo… Gustavo Rivera escribió en su libro Corrupcionario mexicanoun ensayo tratando de entenderla a través de tres maneras distintas: la corrupción de ellos, la corrupción de nosotros y la corrupción de todos. Todo un dilema existencial.
Cuando estaba escribiendo este texto no pude evitar recordar cuando Peña Nieto aseguró, en el Foro Económico Mundial sobre América Latina, que la corrupción en México es cultural. Está equivocado, lo que sí fue muy evidente es que para Peña y sus métodos, la corrupción era en efecto, una cultura.
Dicho sea de paso, la corrupción crea un terreno fértil para las actividades de la delincuencia organizada.En este trabajo audiovisual, Hyenna nos lleva por los claroscuros y los tejemanejes de los bajos negocios de la política escondida. Todo está conectado. Para los grupos de poder, las grandes corporaciones, las mafias y el crimen organizado, la vida no vale nada, pero las riquezas materiales sí. Se dice que los corruptos se forjan al tener ambiciones egoístas y codicia.
Una buena y justiciera analogía es la siguiente: las hienas son excelentes cazadoras, todo gracias a su inteligencia estratégica, rasgo que intuyo en Hyenna como agrupación. El concepto y su sincronía, musicalmente hablando, nos presenta una banda crossover que exuda furor con influencias del metal, del grind y el hardcore. Las guitarras fuertes y distorsionadas, el sonido del bajo y la batería que se escuchan muy densos, así como la voz gutural, conservan la estética del metal y diversifican su sonido haciendo una fusión. Hyenna es una banda natural e innovadora y su mordida deja marca.
Ahora bien, en cuanto a la composición musical de esta rola, yo no exijo solos porque no todas las rolas deben de tener un solo, es un aspecto muy del género “jevi” y los que saben de estas cosas opinan que debe utilizarse bajo ciertas condiciones, principalmente negativas, cuando, por ejemplo, la canción es escueta, le falta intensidad o es muy repetitiva. Lo que no sucede con “Carroñeros”.
En primera, he de decir que, para ser músicos independientes, el grabar un video musical es una eficaz manera de promocionarse. El sencillo elegido fue el correcto y que hayan sido ellos mismos quienes representaran los personajes principales en cámara fue un gran acierto. En cuanto a la canción, la cualidad interpretativa es buena, me deslumbró el sonido de la guitarra, fuerte y distorsionada, y el bajo áspero, potente, y la batería, ya lo saben, es la maestría escénica, un virtuoso, un homenaje a la energía. En cuanto al video, la teatralidad, el lenguaje corporal, e inclusive, la gestualidad, me conectó a la trama: bien dirigidos estos batos. Ocurrió lo que en teatro denominan “el rompimiento y traspaso de la cuarta pared”, esto es, nos identificamos con la realidad mostrada y esto creó una especie de lazo directo (aunque sea virtual) y así, al sentirnos involucrados en la historia, compartimos los sentimientos de frustración y coraje que se generan. Va mi reconocimiento por su entrega total.
Quise buscar el punto de vista de alguien más, no para pasar el balón, sino para corroborar mis percepciones del trabajo que intento analizar. Me acerqué a un videoasta experto en Hermosillo, Noé Kuamhea. Le hice un par de preguntas muy básicas sobre el video y le pedí nos hablara un poco del trabajo técnico detrás de cámaras. Esto fue lo que me dijo:
“De entrada y así sin preámbulos, amo los videos musicales que se componen de imágenes de la banda tocando entrelazadas con tomas de alguna historia, ya sea que esté relacionada con la letra de la canción o no. El trabajo con el que Hyenna debuta en el ámbito de los videoclips ¡es una chulada!, y no queriéndome extender, porque luego me emociono hablando de estos temas, trataré de ser breve: la parte de la historia está exquisitamente bien armada, desde la locación, todas (todas, todas, todas), las piezas de utilería, vestuario, iluminación principal (románticamente lúgubre) y los matices de las luces complementarias de color rojo para aumentar la maldad por medio de la psicología del color, la actuación de los miembros de la banda, la inclusión de extras, etcétera. Todo esto hace que este cúmulo de fotogramas me arranque una sonrisa de emoción cada que lo veo. Y es que yo valoro, aplaudo y disfruto de las bandas que se involucran y cooperan al momento de hacer un video. Porque cada pieza de la utilería costó tiempo y/o dinero, igualmente el vestuario, el diseño de imagen y hasta el aguantarse la risa cuando te pega el tonto durante el rodaje. Siempre me da gusto cuando veo que la banda participó de alguna manera al momento de escribir el guion, pues esto sirve mucho para que el videógrafo pueda plasmar, aunque con su toque personal, la idea y esencia original del artista. Y menciono esto porque me he topado con tantas bandas que realmente no les interesa participar en la creación de la obra. Y lo digo así, porque también requiere de bastante composición y talento, pero hay bandas que sí se preocupan por hacer las cosas bien y les gusta invertir su tiempo y creatividad en esto, ya que, por ejemplo, el video de Hyenna es rico en detalles que nos hacen volver a verlo: el mantel de la mesa, las palabras ferradas en la carne o el mono de peluche bajo la mesa, todos estos y más detalles, logran que esto, que al final de cuentas es un cortometraje, sea un trabajo sólido como a los que ya nos tiene acostumbrados Lu Franco desde hace tiempo en el mundo audiovisual. La codirección del señor Jaimelvis (vocal) me habla a mí del gran compromiso que tiene esta gran banda de hacer las cosas bien y del talento feroz que tienen para lograrlo. La parte de la banda tocando está super bien hecha y si no estuviera incluida en el videoclip, este para nada sería igual de bueno. Me gusta mucho el contraste de la locación blanca con el negro de la ropa estampada por emblemas de la banda. Filmar la parte de la banda tocando requiere de preparación, dedicarle tiempo e invertirle dinero, así que mis respetos por haberla incluido y sobre todo muchas gracias por incluir tanto tomas de la banda como tomas de la historia actuada. Muchas gracias por la invitación y les dejo algunos videos de bandas de Hermosillo que nunca me enfadan: The Horrorscopes con “Slasherism”; Corrosión con “Depredadores” y Akelarre con “Spirit of Oppression”.
Dedicado a mi compa Punk Palomares de la Miravalle, que fue quien me llevó al primer tokin de Cirrosis en el P.O.
Se que mi vida se está yendo, como si fuese una simple sospecha en el universo, pero, muchos de lo que rebota en ondas, muy probablemente será el Death Metal, como una señal de cómo fue la forma en la que estaba hecho el corazón de ese pequeño grupo de personas, he aquí otra vez, solo tratando de tener un tiempo cerca de ti, explicándote solamente mi opinión personal, podremos estar de acuerdo o no, así que aclarado eso, yo solo te digo, entra a mi casa, siéntate, ponte cómodo por que este viaje comienza, bienvenido.
Bueno en esta ocasión me tomo mucho tiempo hacer este review por una sencilla razón, esta es la banda que mas representa mi preferencia en el metal, les explico brevemente, en los 80’s cuando era niño sabia que Khafra era la banda, tenia el mítico e inolvidable disco negro, pero, era la banda de esa generación ochentosa, aunque hay que ser justos, la mejor época de la banda fue en los 90s, aun así no era la miá, entonces en los 90’s aparece lo que seria “mi banda” los divos de Cirrosis. En una era donde el metal fue olvidado por el mainstream, aparece esta banda, con el sonido monstruoso del death y la actitud punk, y yo con ínfulas de cholo fresón, tenia el poder, las letras, pero sobre todo la personalidad arrogante, pedante que obviamente me describe, esa que se perdió en estos días, ya aclarado el punto, es importante volver al review, que tendrá olores a culito de cheve y ladrillos de patio de infonavit donde fueron las tokadas de estos canijos, es que va doler un poco lo que les diga, pero, es mi opinión ignorante de esta puesta en escena, y es que eh leído un par de reviews que parecen una gran lamida de huevos mas que un análisis que haga exaltar las virtudes y fallas. Para esas divas lame huevos, que pretenden siempre quedar bien con las bandas, les digo, le hacen más daño a la banda y la escena que beneficiarlas.
Este EP contiene 4 canciones: Kill my name, Tan lejos de Dios, The daydreamers night y I’m the Universe. Grabado el 26 de septiembre de 2020 para el festival Mosh Fest en el estudio Sonic Den, excepto Kello González en Soundbox studio y Quetzalín Domínguez en Qsney studio. Técnico de batería e ingeniero de grabación Max Arnold. Ingeniero de grabación en colaboración de Quetzalín Domínguez, Jesús D. Quesney. Asistente de grabación y calibración y mantenimiento de guitarras Armando “Mr. Fastfingers” Avila. Grabado, mezclado y masterizado por Francisco “Chucky” Oroz en Cajeme, Sonora, México.
Tras un buen trabajo de grabación e ingeniería el EP Comienza con una de las canciones mas machacantes de lo que es el mejor álbum de la historia de Sonora en el metal “Colector of truths”, sacan de ahí el track “Kill my name”, su sonido constante lo hacen fácil de sentir, y es que en verdad es disfrutable, a pesar del horripilante ingles, la voz es poderosa y carismática, el bajo esta ejecutado por un tipo que puede tocar en cualquier banda del mundo, ademas de un solo bellísimo, creo que es la mejor canción que se ejecuto en este gig, no hay mucho que reprochar, el EP se empieza a diluir un poco, con la única canción en español, que en su grabación conserva una cierta suciedad que me incomoda un poco y un soso bombo cuando no es grind, creo que aquí es donde empieza esa sensación tan sintética de este tipo de “en vivos” que son tremendamente edulcorados, y no es culpa de las bandas se entiende que la pandemia nos orillo a esto y este nuevo fenómeno es como aterciopelado, sin que se pueda sentir la saliva, sangre y el sudor de la música extrema, aunque tenga todo el poder, no se logra acercar a esta trinidad, ni con el buen solo, ojo no es la música, sino es la lejanía que produce el no saber que realmente no sea aderezado por las impurezas hermosas que genera al ejecutarlo enfrente de la gente y no por medio de laptops o cámaras de ultima generación, y lo confirma la canción mas popera del disco “The day dreamers nigth”, que es mas que una foto copia del álbum, no hay alma, no hay esa visceralidad del viejo Cirrosis y no hablo de el grandioso crecimiento musical de la banda, sino de aquella bestialidad que tenia cuando ejecutaban en vivo, esto se vuelve a confirmar con esta versión mas apegada a un trabajo de ingeniería de excelencia, que por el sentimiento de hacerlo en vivo y mejorar la versión original, esto lo vuelve a confirmar el sample de lo que es para mi la mejor canción que ha hecho la banda, “I’m the Universe”, que en este EP suena igual que en el álbum y es que puede sonar como algo, por lo bien que está mezclada, pero, para los que somos amantes de los albums en vivo, es decepcionante, si lo hubieran dejado como un gig todo bien, pero lo llevaron al nivel de un EP y el cual es su decisión y lo respeto, no me mal entiendan, ellos son músicos de primer nivel mundial, sí mundial, aunque les moleste a muchos, así que el análisis debe de ser de ese nivel, es un EP, que suena lejano e innecesario artísticamente, dado a que no aporta lo que un álbum en vivo hace, mostrar de cómo está hecha la banda, es lo que hace los trabajos en vivo, más teniendo el álbum “Colector of truths” aquí, que es épico, suena igual, sino me creen, solo vayan y pongan los dos al mismo tiempo como yo lo hice, por eso salvo honrosas excepciones, no hay diferencia, así, que si a ti te gusta la perfección de la ejecución este va ser tu EP. Pero si tu buscas brutalidad en vivo te va a decepcionar, solo basta con compararlos con bandas que tengan albums en vivo, que estén a la altura musical y artísticamente, te invito a hacer este ejercicio sin prejuicios y te darás cuenta, te pongo algunos ejemplos, “Death – Live in L.A.”, “Unleashed Live In Vienna 93”, “Live Cannibalism” etc, por que los comparo con ellos? porque están en ese nivel.
Bueno hablemos de lo mejor, ellos presentaron en este EP el trabajo exquisito del fabuloso artista el Sr. Tony Sandoval, es una de las cosas más hermosas de portadas que he visto para una banda sonorense en mi vida, con ese sentido carmesí, y la demostración de lo hermosamente grotesco, anexando la batalla entre el bien y el mal. No es buena la portada, es legendaria!
Por último, quiero aclararles que el EP “Live in Isolation” no es malo, porque puede haber un par de despistados que piensen que mi análisis se basa en que el EP es un fallo, eso está muy alejado a la verdad, simplemente siento que no hay nada que aporte a las rolas que ya están en el álbum antiguo, el EP está bien hecho, respetando la línea de su legado, respetando a su público, pero, les aseguro algo, cuando la banda salga de gira y CRS por fin se enfrente a Cirrosis y Sir OZ y Chucky saquen lo que hacían, Cirrosis saldrá victorioso en esta batalla, encontrá a CRS, pocos sabemos lo que hacía la banda en vivo, simplemente era brutalidad, con todo y sus inmaduras adolescencias, cuando lo hagan el próximo año, surgirá la versión animal, con la misma fuerza de cuando Sir Oz avienta la caguama, simplemente genial, como tocar la felicidad en un mundo que apesta a mierda.
Debo dejar la orilla de mi cama, el aroma a desayuno de mi madre jamás me tocaría a esa hora, eran las 4 am, mi madre apenas arreglaba su cuerpo para iniciar su jornada, yo tenía que irme rumbo a la 200, solo zigzagueaba un poco, con mochila que rascaba la espalda, un par de cuadernos reciclados de años anteriores y las ganas de soñar que estaba dormido, esa era la novia que tenía esa madrugada, suculentamente me acercaba a un viejo camión repleto de adolescencia y lagañas, 15 pesos era la tarifa, su destino ir a la universidad de Sonora campus Navojoa, haya por el viejo 98, donde la pobreza se quedó a vivir junto con la sonrisa de sus ciudadanos, ahí estuve un año, flanqueado por Tetanchopo y la rockola del centro, de esa pequeñita ciudad, sale este sonido que les quiero contar hoy, permítanme narrarles una historia de música, reclamo, amor y desafíos, pero, sobre todo de esa lucha que muy pocos se atreven a hacer, en ese polvorón de arena y calles mal trazadas, el inolvidable rock and roll, les cuento, A sangre y fuego nos presenta un Groove, bueno que complicado es admitirlo, ya que suena a todo menos al típico estilo que se ha hecho con reminiscencias thrash que otras bandas regularmente hacen, creo que eso los hace un poco originales, pero, vamos por partes diría el elotero, es que cada quien elige si le pone chile del que pica o no, ellos eligieron el que no, eso no significa que sea malo, simplemente es diferente, bueno te cuento pues, ellos decidieron abrir con la joya de la corona, con su mejor canción, “Reflejos” un buen trabajo de blast, con sus riffs muy edulcorados, parte de la firma de la casa, es decir todo el álbum va de esta estructura, se vale, si Megadeth lo hizo en Youthanasia, por qué no hacerlo ellos, debo confesar que su solo es lo mejor de la canción, además de saber entender que las palabras en español por lo menos debe de tener cierto ritmo y claridad al ejecutar una canción.
Bueno, la producción continua, colocando en su segundo track la canción “Punto de ira” que cuya fórmula les permite entrar en mentes con primaria trunca, así como en graduados de universidad, con un constante y sumamente empalagoso riff, que se alarga innecesariamente, la canción pudo haber sido de 2:00 y no pasaba nada, con una batería sosa y un bajeo bastante flojo, lo que sí me gusta de ella, es su perfecta letra, además, de su ejecución vocal, es impecable, me hace no olvidar su estribillo, además de su fortaleza de estructura musical, que le permite no escucharse ñoña, de nuevo la guitarra vuelve a rescatar con sus arreglos una canción que parecía innecesariamente larga, nuestros músicos sonorenses continúan con lo que en mi opinión reivindica su álbum track “43” de nueva cuenta la batería es cumplidora, no es mala para nada, pero palidece ante un mejor trabajo del bajo y unos riffs muy buenos, su letra llena de furia los coloca, como son, músicos con conciencia e inteligencia, es la canción que más me gusta porque es entretenida y va al punto musical, ahora llega su cuarto track su canción “Dime” la cual estoy casi seguro que con apoyo de una disquera, fuese un hit de radio, es que su rock pop, hace que se ajuste tan rápido al estribillo que compusieron, aquí tenemos una mejor química entre batería y bajo, repito tiene todo para ser un éxito, sin alargar innecesariamente en esta ocasión, ahora se viene otro track cuando lo escucho “Nacidos por accidente” en algunos aspectos parece reciclaje de “Reflejos”, tiene buena letra, un riff que asemeja el viejo Pantera, batería sencilla, un bajeo más potente, no está al nivel de las mejores canciones del álbum, esto hace que sea perfectamente olvidable, ahora sigue el álbum con su track “Con las alas rotas” son de esas creaciones escondidas en un álbum, que son memorables, heavy metal delicioso, un intro poderoso, con un vocal que entiende que usar colores en su voz para diferenciarla de las demás hace inolvidable una composición, pero, con una letra un poco ñoña, no mala, creo que es el mejor trabajo del baterista, de nuevo los solos son muy buenos, es la clásica canción escondida del lado B del casete que vale la pena escucharla varias veces, ahora toca hablar del track “Respira profundo” la clásica canción de relleno, no parece terminada, es un montón de ideas que no cuajaron, mejor vámonos con “Demencia” aquí tiene todos los elementos para que te guste, no es un heavy pesado, sino más bien un soft rock con distorsiones, es su canción más bailable, tiene el mismo corte que las demás, con una fantástica mezcla y producción que me ha dejado sorprendido, quizás por ser tan armónicos al momento de componer, es una buena canción. Sigue “Respuesta”, canción con muchas ideas que no cuajo, es un buen acompañante para las demás canciones, hasta ahí, debo resaltar que su bajo es bueno eso sí, superando a la guitarras que solo repitieron patrones, ahora, pareciese que el álbum decayó, empezaría a ser que lo alargaron de más, cuando de repente aparece “Corteza” un Heavy muy bien cantado como todo el álbum, progresiones interesantes, la forma que manejaron la síncopa es de gente que entiende que no están peleado con el buen gusto, el álbum cierra con una balada pop “Al cerrar mis ojos” con un intro precioso con coro vocal femenino hermoso, que no sé por qué demonios no se repitió más en el álbum, se agradece tal educación vocal, me hizo viajar a lugares tan bellos de mi mente en solo 1:07 min, engalano la producción y a la balada, es un cierre espectacular, en un semi acústico con toques ligeros de rock and roll, con una letra empalagosa que le faltó un mejor estribillo, sus último minuto cambia a powerbalad estilo Skid Row, eso es bueno, da un cierre digno.
En resumen, es un disco tremendamente comercial, empalagoso, con técnica sencilla, pero, bien hechas, con una producción de altos vuelos, hay que felicitar al que hizo las mezclas, dando con ello un viaje sónico de agradable traslado a la buena música, los miembros de la banda entienden que la afinación no es un adorno, manejan la síncopa como un recurso para cambiar del pop al rock and roll sin ningún temor, su trabajo vocal es impecable sabe entender que se ocupa color al cantar y no solo irse a gritos, el bajo es bastante digno, la mezcla de canciones es buena, si me preguntan a mi si es metal, contestaría de inmediato que no, pero, no dudaría en ningún momento decir que es buena música, hecha por buenas personas, lo mejor de todo es que sí parece un trabajo seminal de adolescentes, eso me hace pensar que su segundo disco será de gente más madura y mucho mejor que este, convirtiéndolos probablemente en la mejor banda de rock and roll de Navojoa de su historia, que no es poca cosa.
Ahora me voy, camino con la misma mochila, me dirijo al olvido donde debo de quedarme, ese es mi lugar, me llevo como parte de mis recuerdos a esos Mayos de Navojoa que siempre pierden con los Yaquis, con las tortas que me comía en la cafetería aun lado de la Unison, pero, lo mejor de todo es que me llevo en mis palabras lo mejor de Navojoa, para cuando me pregunten por él no conteste tonterías, sino lo mejor de ellos que es su gente.
Dedicado a Paskual Meza, mil gracias por entregar todo en el escenario.
10.- Viernes 13 (Paraguay)
La banda representa eso que duele en nuestra escena latina, la carencia de buenos productores de heavy metal que no le saque jugo a buenas ideas o músicos como este, pero más allá de la poca distribución internacional y de todas las carencias, la banda hace mucho con poco, recargandolo como se debe en su guitarrista y vocal, se puede notar en su canción “La Maldad” , de sus muy buen álbum “manos manchadas de sangre” con ese sonido de remate que tiene las bandas lineales del género, le da un color poderoso, como en su clásico casi punk “Volveré” aunque no dejan de mostrar su heavy muy influenciado por la ola española, como en su canción “Manos Manchadas de Sangre”, es una banda que no te arrepentirás de darle play.
Heavy sucio, viejo, rudimentario, primitivo, olvidable, pero real y poderoso, solo basta con escuchar su fantástica creación “Ven conmigo a rockear” llevando a escalas de la guitarra con mucha adrenalina, es que con extraer algún track de su álbum “Pesado”, donde no solo hacen metal, sino hard rock, blues y rock and roll, son de esas expresiones artísticas que alguien debería de remasterizar, también tuvieron la capacidad de modernizarse como se ve en su canción “Deseo Ideal”, solo quiero decir, gracias viejos, por enseñarnos el camino correcto en la actualidad de un buen heavy.
El género obvio debe tener lo esencial que es un vocal fantástico y un guitarra técnica, cosa que lo hicieron en su álbum “En pie de guerra” ,una buena letra lo acompaña, lo logrando al producir al extraer el track de su canción homónima, algo que ayuda son sus coros, permiten sentir hervir la sangre , es que es una banda que sabe manejar los clásicos arreglos que influenciaron a géneros del presente, como suena en su tema “El Poder del Oráculo” o “Todo está bien”, no son de grandes solos, pero, si de armonías que te conectan fácil.
Todos, si digo todos, tienen todos los clichés del mundo, llega un momento que pudieran ser caricaturizados por cualquiera que no ame el metal, sus letras con temáticas ultra sencillas y heavy metal simplón, pero, esa es su gran virtud, su estilo hace que su propuesta no complique mucho al paladar, como se nota en su canción “Noche de cuero y metal” ese tipo de sonidos permiten que puedas aprender muy fácilmente sus tonadas y sus estribillos, algo que gusta mucho en la gran masa, como les repito es una rock and roll muy cadencioso, deberían de mejorar más sus solo, quizás, pienso que quizás, pero al hacerlo romperían con la línea sencilla que la hace pegajosa, como se escucha en su tema “Creaturas del Metal” en mi opinión es un digno representante del heavy metal clásico mexicano, aquel que engalanó los 80S y que nadie quiso grabar, valientes y rebeldes, eso los hace buenos.
En lo que es la esquina de sudamérica nos llega es≤ta propuesta llena de fuerza, más cuando su trabajo vocal y de melodías es tremendamente buena, más en un mundo que piensa que el heavy debe de apestar a europeo y no con su propia formalidad, como se muestra en su creación “Desarmados”, es que puedes sentir un calor humano muy intenso en su álbum “Hasta morir” como se revela en la homónima canción, su fluidez te permite cabecear, si bien es cierto sus eventos en vivos no son del todo limpios, pero no dejan de tener calidad, como lo muestra en su clásico power balad “Silencioso Amor,” así que tras estas composiciones se ganan por herencia propia su posición fácilmente en la escena latinoamericana.
De un país destruido por avaricias externas y vanidades del capital, de ahí, de esa furia, sale música de extrema calidad, aunque no abandonan su forma primitiva, no con eso se debe descartar de inmediato su calidad, más con su trabajo vocal como se ejecuta en “Héroes caídos” con un intro insufrible, pero con una bella intención, mostraron en una raíz clásica punk, pero con la filosofía metalera, que su inventiva no debe de ser rechazada, es que me recuerdan a ese inicio fabuloso que en su momento tuvieron con Paúl Diano La Doncella, se escucha en su canción “Asesino”, pero, no te confundas no se estancaron, lograron evolucionar, solo busca su tema “Dios perdona, no Yo” mi favorita de estos dementes del heavy de 4 décadas.
Hay bandas que con los años te callan el hocico, como me pasó con ellos, conforme pasaron los años fueron puliendo su creatividad, mejorando sus melodías, con un mejor trabajo vocal, empezaron a madurar, dando pasos agigantados muy rápido, si bien es cierto, no son súper solos, ni un súper bajo, creo que cumplen, hacen lo necesario para que luzcan sus creaciones, como en “Sin razón” una pieza formidable de poder del heavy que tienen en sus manos, ellos se sitúan más en el nuevo heavy, es que con su constante doble bombo y una velocidad más intensa en sus riffs llegan a esa etiqueta, esto se aprecia en su EP “Sin Razón”, es un muy buen rock and roll cahuamero.
Cuando un trabajo impecable blusero, interviene en las melodías, la obligación del de enfrente es tener una voz ultrasónica, como lo hacen en su tema “El Falton”, es que como viejos lobos de mar y su larga trayectoria en el rock and roll sus canciones tienen una manufactura bien ejecutada, cosa que muchas bandas adolecen mas cuando hacen los conciertos, ese sentido tan peculiar, se alcanza en su track “Carne y hueso” claro siempre y cuando lo escuches en su idea romántica, por que, en mi parecer exceptuando sus solos, sus nuevas creaciones son superiores, como en su tema “Los hombres no deben llorar” con elementos synth y su proyección powerbalad con mayor calidad que las viejas canciones, es tremendamente pegajosa, como un buen café.
Su sonido es tremendamente convenenciero, super comercial, super edulcorado, es lo que se les puede criticar, osea, es el clásico metal para bonitos, pero, nuestra obligación es rascarle un poquito más, ahí encontrarás a una banda que cuida mucho sus creaciones, esto se escucha en “Esta noche”, nos regala una de las voces más hermosas que existen el género metalero latinoamericano, insisto no trates de buscar un heavy pesado, pero, si de la vieja escuela estilo Rata Blanca, muy amoroso, como lo refleja su canción “Nada de Amor” podría ser perfilado en una de las mejores propuestas mundiales de heavy metal romántico sin problema.
Siempre voy a preferir lo crudo, lo potente, pero, bien estructurado, como lo demuestran en su hermosa canción “Punto final” además con una letra perfecta, ese castellano directo, sin preámbulos, letras con conciencia, como en su canción “Tus hijos” su sonido es parecido a ratos al de los iconos Accept, el cual hace que no te de temor de aburrirte al escuchar un álbum completo de ellos, creo sin temor a equivocarme que es el mejor cierre que encontré para ti, ante un movimiento musical que se quedó tan arraigado en muchas casas, es que como amantes del metal muchas veces bandas como esta, nos explican en una simple canción “Sin Salida” la felicidad de saber que no tenemos miedo a la crudeza de la vida, creo que ese es el triunfo de las bandas y público de latinoamérica.
Es un hecho que para la escena hay un antes y un después de la pandemia. El lento, pero aparente regreso a la “nueva normalidad” nos trae tokadas al más puro estilo de la vieja usanza: íntimas y caseras. Raza Nocturna (estudio) y Motörworship Records (disquera independiente), ambos proyectos a cargo del buen Lobo (fundador de Orgon Jihad y Verdugo), fueron los anfitriones de una noche de ruido en la colonia Centenario un día anterior a las elecciones, muy necesario el desahogo y el vivir de forma presencial la música.
No cabe duda de que el confinamiento ha servido de inspiración a músicos y bandas para componer y grabar inclusive a distancia, pues hoy se cuenta con una variedad de estudios, programas y aplicaciones de mezcla, así como de masterización online, que permiten -también a las bandas underground- generar trabajos de mayor nivel. El señor Lobo tiene todas las credenciales para hacerlo. Dicen que la independencia implica ser multifuncional, entonces podemos afirmar que sus proyectos van por buen camino, tanto el estudio y sello, como su trabajo de promotor y organizador de eventos.
El line up de la tocada, al incluir tan solo a tres bandas, advertía que a medianoche todo volvería a ser como antes: el hechizo se desvanecería y todo volvería a la normalidad. Eightyeight se encargó de abrir: escuadra cuyo nombre se deriva de la admiración a la trilogía de Volver al futuro (del vocal), una banda beatdown con actitud “tuffguy” muy edgy, un subgénero del hardcore punk que tiende a ser más lento en su ejecución, además de estar cargado de breakdowns y riffs de guitarras agresivas y con características del death metal, una especie de metalcore.
Eightyeight cuenta con un álbum digital en su haber titulado Inner flame, que consta de siete tracks, disponible ya para los entusiastas de este género. Debo decir que el leadsinger me cautivó cuando alguna una vez compartió escenario con El Grito en La Bohemia, y así como en aquella ocasión, su potencia vocal e interpretativa se notaron esta noche: fue increíble verlo.
Leí por ahí que las diferentes escenas musicales de una ciudad se valoran, analizan y entienden mejor con la perspectiva que da el paso del tiempo. Al hallarme a la espera de escuchar a Otra Vez (la segunda banda del programa), mi memoria se llena de sentimientos y emociones encontradas (Wish you were here, Micky). Esa noche definitivamente se robaron el show. Pude presenciar descargas más que notables de una alineación colmada de músicos destacados. A su vez significa también un plus que cuenten con un baterista importado de Herencia de Honor y la segunda guitarra, cuyas muestras de humildad me conmueven sobremanera, siendo siempre dicha característica la marca personal de la banda. Orgullosos de continuar un legado, nuevas adquisiciones para presumir, sangre nueva, amigos integrantes de bandas hermanas en la pequeña comunidad hardcore local que le imprimen mayor punch a Otra Vez, cuyas rolas hacen resonar como un eco las raíces del género, letras que reflejan madurez evocando aspectos simples de la vida cotidiana y que esperaron diez años para conformar Ríos de sangre, el mejor disco de hardcore hecho en casa que sale a la luz de unos años para acá; además, siempre fieles a su estilo old school que resulta totalmente convincente y honesto, una prueba de autenticidad andando, banda a la que deseamos larga vida, puesto que han sido y serán, junto con El Grito (sus contemporáneos, pues crecieron juntos y en la misma dirección), los padrinos del hardcore sonorense.
Otra Vez es una de las bandas más ruidosas, rápidas y con mejor ejecución, pilares del más puro estilo New York hardcore, quienes también han incursionado en el crossover haciendo un guiño al thrash metal.
La última banda en tocar fue Hyenna, banda con una iconografía propia que los distingue… de hecho, quería llevarme a mi casa el enorme póster a dos tintas que semejaba un parche gigante, el cual estaba montado en una de las paredes del lugar.
Cambiando de tema: Jaimelvis, además de manifestarnos su furioso sentido de inconformidad por el continuo estado de corrupción, decadencia e impunidad en este país (lo cual hace notar en su interpretación siendo el frontman de este combo crossover), es también quien mantiene viva la escena con su promotoría y su trabajo de diseño del grupo, alineación donde el único que se salva de aparecer en el almanaque chavorruco es el vital e inquietante baterista (el único veinteañero de la banda), uno de los mejores en la escena, a mi parecer.
Epílogo: Wish you were here, Micky Micky, eres mucho más que una efeméride. Fuiste pionero en la historia del hardcore de la H y, por qué no, del estado entero. La lección más importante que recibimos de ti fue que la vida es tan corta que no vale la pena perder el tiempo, que naciste para vencer todos los elementos a golpe de tozudez y no voy a olvidar tu pasión por la música en directo.
Fue una pena que no hayan podido concretar el tributo a Minor Threat, hubiese sido una mancuerna épica con El Grito; recuerdo tus nervios antes de salir a tocar deseando que la gente disfrutara tanto como tú, recuerdo mis pataletas por tu insistente modestia, la actitud de ver siempre las cosas por el lado amable, tu soledad, tu plena conciencia de que su propuesta como banda fue poco valorada, subestimada; tu gran preocupación de que a alguno de los integrantes “se le subiera” porque nunca te atrajo que fuesen una banda icónica; nunca dejaste que el dolor te detuviera, fuiste el fan más acérrimo de Otra Vez, pero también el juez más duro. Se queda acá la magia que creaste entre el público y tu agrupación, te hubiese hecho gracia el premio que recibieron de parte de Tribus del Rock por Streaming porque te confesabas un analfabeta digital, pero es posible que también hubieras querido besar y abrazar a todos, como cuando por fin el disco salió a la luz, porque tu familia, tu complemento, tu media splenda creció y es más fuerte que nunca. Gracias, por tanto, a pesar de que te dimos tan poco.
Fotos: Ángel Orozco
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